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Feliz día de tu muerte 2 (2019) de Christopher Landon

Si algo funciona no lo cambies; mejóralo. 

La historia continúa un día después de donde la dejamos en la primera entrega, con Tree (Jessica Rothe) viviendo por fin la vida que quiere junto a Carter (Israel Broussard) sin la preocupación de repetir una y otra y otra vez el mismo día...hasta que el compañero de piso de Carter, Ryan (Phi Vu) es asesinado por, sí, lo habéis adivinado, un matarife ataviado con la desde ya icónica máscara de bebé, haciendo que vuelva a repetirse el ciclo de muertes y resurrecciones.

Quién iba a pensar que en esta etapa de los dos miles la empresa ama y señora del género de terror sería la Blum House. Una productora que nos ha acabado dando más alegrías (Oculus) que tristezas (saga La purga), sabiendo resucitar los clásicos del slasher (La noche de Halloween), revitalizado al psicokiller (Creep) y que allá por el ya lejano 2006 decidió apostar por una cinta de bajo, bajísimo presupuesto rodada cámara en mano llamada Paranormal Activity. El mega éxito dirigido por un novato Oren Peli que dejó patas arriba al género y que con el tiempo se harían hasta siete secuelas, precisamente una de ellas, Los Señalados spinoff latino que ha acabado siendo las mejores consideradas tanto por parte de crítica como por el público - dirigida por el director de la película que hoy nos atañe, Christopher Landon.

Landon - hijo del recordado Michael Landon - es un viejo conocido para los fans del horror; autor de los libretos de Disturbia o de casi toda la saga de Paranormal Activity a excepción de la primera y última entrega, y director de las geniales Zombie Camp o la primera Feliz día de tu muerte, con que al parecer quedó algo descontento Scott Lobdell, el autor del libreto, quien había preparado algo más macabro en cuanto a las muertes de Tree además de un enfoque más oscuro donde finalmente se acababa explicando el motivo del bucle temporal. El (sorprendente) éxito de esta película hizo que la Blum House decidiera poner lo antes posible en marcha una secuela contratando nuevamente a Landon aunque esta vez sin Lobdell por problemas de agenda.

Sin Lobdell ahora en las labores de guión y ocupando el puesto Landon, quien todo sea dicho rescata varios elementos descartados del primer libreto, se decide que la trama debe tender más hacia la comedia y a la ciencia ficción que al terror propiamente dicho, homenajeando de paso a cierta película que su protagonista da nombre a este blog. Esto que podría llegar a ser un problema dado el material que tenemos entre manos, logra salvarse el conjunto gracias sobre todo a la bis cómica de la inmensa Jessica Rothe - la muertes del cortárboles y del paracaidismo son para enmarcar -, el giro que mete la historia a media hora de metraje (y que te hace ver por dónde irán los tiros en una más que posible tercera entrega) por no hablar del balance entre estos géneros, aunque lo dicho, tal y como pasaba con la primera entrega no esperéis una cinta de terror repleta de jump scares y sí una comedia de terror de la que bien podemos pasar por alto sus pequeños fallos argumentales (sí, las heridas internas de Tree vuelven a hacer acto de presencia aún sabiéndolo ella).

Como fue la primera, una película de alta diversión y cero pretensiones. Si una película de terror actual merece tener una ristra de secuelas es esta. Nosotros tan contentos viendo morir a Tree una y otra y otra y otra vez.

Pasado, presente y futuro: Chopping mall, Aquaman y Capitana Marvel



El pez y la alienígena se van al centro comercial.

Iniciamos este "Pasado, presente y futuro" con dos superhéroes, uno de DC y otra de Marvel, dispuestos a reventar las taquilla mundial y un slasher tecnológico ochentero (tres términos que deberían ir más a menudo de la mano) dirigido por el gran Jim Wynorski. 

Sin más demora, comencemos.

Pasado: Chopping mall (Robots Asesinos) - Jim Wynorski, 1986.


¿De qué va? 

En un centro comercial canadiense han implantado una serie de robots último modelo con todos los avances en cuanto a armamento no letal se refiere, capaces de ser tan implacables como persistentes en su cometido de salvaguardar el inmueble.Algo excesivo sin duda, pero nadie esperaba que por culpa de una tormenta eléctrica, los robots sufriesen un CORTOCIRCUITO, convirtiéndolos en asesinos en serie que irán masacrando a todo aquél que pulule por el centro fuera de horario comercial.

Dirección

Un primerizo Jim Wynorski en su segundo film acreditado como director antes de pasarse a dirigir porno soft, Munchies, ser el ojito derecho de la factoría Asylum, secuelas infames de los Ghoulies y películas de perritos que salvan la Navidad, y que en esta ocasión simplemente cumple en su función, algo que no se podría decir de algunos trabajos posteriores. Según cuentan, en el rodaje se llevó a matar con la actriz Suzee Slater, cosa que hizo que su personaje se redujese a la mitad y tuviese un final, digamos, explosivo...

Intérpretes

Como final girl tenemos a nada más y nada menos que a la mítica Kelli Maroney, A.K.A, Samantha Belmont de La noche del cometa (1984), y en roles más secundarios a una Barbara Crampton post Re- Animator (1985), Russell Todd (Viernes 13: Parte 2), Karrie Emerson (Evils of the night) y a modo de cameos unos Dick Miller y Gerrit Graham (El fantasma del paraíso) quienes pasaron únicamente a saludar.

Lo mejor

Su falta total y absoluta de pretensión/vergüenza capaz de pasar al lado oscuro al personaje de Johnny 5 por triplicado. La estética ochentera de la que hace gala con orgullo. El protagonismo de Kelli Maroney, quien pasa de ser la mojigata del grupo a una Sarah Connor capaz de desarmar a los robots de una patada en el culo. El final no deja de ser un homenaje a Tiburón (1975), así que todo bien.

Lo peor

Dejar a Bárbara Crampton en un papel secundario debería estar penado por la ley. Los robots en cuestión nunca parecen una amenaza, todo locontrario, parecen cafeteras cromadas que bien podrías mandar al desguace con un matamoscas. No se aprovecha el espacio donde se ambienta, reduciéndolo a unas pocas secciones por las que los protagonistas pasan una y otra vez como en un bucle.

La escena

La muerte de Dick Miller, electrocutado por el táser de uno de los robots.

La frase

- "Gracias, que pase un buen día." (Los robots)

Curiosidades

De sobra sabida pero siempre es agradable recordar que en Commando (1985) se rodaron varias escenas en este centro comercial.

¿La recomendaría? 

Sin duda. Como entretenimiento falto de pretensiones, claro y directo funciona a las mil maravillas. Darle una oportunidad y seguro que la veréis de principio a fin.


Presente: Aquaman (2018) de James Wan



¿De qué va? 

Tras los sucesos narrados en La liga de la justicia, Aquaman es un reconocido metahumano que trata por todos los medios salvaguardar los mares de todos los males que puedan acechar. Pronto la cosa cambiará, ya que la tierra firme será amenazada por el Reino de Atlantis, el hogar natal de nuestro héroe quien se verá arrastrado a una búsqueda contrarreloj de una reliquia que podría poner fin a la contienda. 

Dirección

El malayo James Wan es un viejo amigo por estos lares. Conocido por su magnífica labor en el terror como son las dos primeras partes de Saw, Silencio desde el mal, las sagas Insidious o El caso Warren, pero lo que de verdad llamó la atención de los grandes estudios fue lo bien que se manejó con la séptima entrega de Fast & Furious haciendo que Warner contase con él para llevar a buen puerto (JA) las aventuras del héroe acuático por excelencia, y en vista del resultado final, muy bien visto. 

Intérpretes

Jason Momoa como  Lobo  Aquaman, Amber Heard como Mera y Patrick Willson como el Rey Orm en los papeles principales, pero lo bueno llega al ver la cantidad de secundarios de lujo con los que cuenta la cinta; estos son, atención: Willem Dafoe, Nicole Kidman, Temuera Morrison, Dolph Lundgren, Graham McTavish (John Rambo) y Randall Park (The disaster artist) entre otros. Casi nada.

Lo mejor

No deja de ser un Masters del Universo bajo el mar con todo el divertimento que esto implica. A Momoa y a Heard les sientan como un guante sus personajes y se ve que lo están disfrutando al cien por cien. Wan siempre es garantía de que al menos bien rodada estará, a parte de meter algún que otro guiño cómplice a los fans de horror, cosa que es de agradecer. Los primeros diez minutos con Atlanna y Tom Curry son oro puro. La construcción de personaje e interpretación de Patrick Willson como villano de la cinta del cual comprendemos cada acción por el bien de su pueblo. los efectos especiales está realmente conseguidos.

Lo peor

Se alarga demasiado la parte situada en Sicilia, que, pese a ser necesaria para dar un desarrollo emocional entre los personajes, se ve como algo que de no estar ahí hubiese dado igual. Manta negra, me encanta como está descrito y sus motivaciones, pero se desaprovecha al solamente presentárnoslo para siguientes entregas donde seguramente pase a ser el villano principal. Los modelados faciales parecen sacados de Ken y Barbie. Muy avanzados los de Atlantis, sí, pero como los de Wakanda eligen a su Rey mediante un combate a muerte.

La escena

La llegada a la Fosa. Una escena que hará gozar a todo fan que sueñe con que un día se adaptará buenamente a Lovecraft.

La frase

"Pues creo que hemos empezado la casa por el tejado. A apechugar." (Aquaman en una clara crítica al DCU)

Curiosidades

El piloto que lleva a nuestros protagonistas al desierto del Sahara es nada más y nada menos que Leigh Whannell, amigo, guionista y ocasional actor de Wan con quien ha trabajado desde sus inicios.

¿La recomendaría? 

Dentro de la locura generalizada que supuso La liga de la justicia (2017), Warner ha sabido frenar y tomarse su tiempo en construir algo que de verdad mereciese la pena. Tarde o no, Aquaman ha resultado un soplo de aire fresco y un entretenimiento de primer orden para todos aquellos que todavía esperábamos algo.

Futuro: Capitana Marvel (2019) de Anna Boden y Ryan Fleck


¿De qué va? 

Carol Danvers, una soldado Kree cae a la Tierra tras una batalla contra su nemesis la raza Skrull. Ya allí no sólo se dará cuenta que los Skrulls caminan entre los humanos, sino de su auténtica procedencia.

Dirección

 Anna Boden y Ryan Fleck en el primer tandem de directores dentro de Marvel si obviamos lo que pasó con la primera Ant-Man. Ambos conocidos por películas más orientadas hacia el drama como son Half Nelson (2006), Sugar (2008) o La última apuesta (2015) donde coincidieron con Mendelsohn, esta es su primera película de estudio.

Intérpretes

Como es norma en la casa de las Maravillas, reparto de lujo encabezado por Brie Larson y Samuel L. Jackson como una pareja que puede rivalizar con la de Memoria Letal, y secundados por Annette Bening, Jude Law, Lee Pace, Djimon Hounsou, Clark Clegg, Ben Mendelsohn y Gemma Chan. Casi nada.

Lo que se espera de ella

La antesala perfecta a End Game y la presentación en sociedad de una heroína que seguro dará mucho que hablar en el futuro del MCU.

La escena

Carol en el metro dándole la del pulpo a un Skrull camuflado como una ancianita de aspecto adorable.

La frase (promocional)

 "Más alto", "Más lejos" "Más rápido" en homenaje al cómic.

Curiosidades

Se tanteó a Keanu Reeves como Mar-Vell, pero por problemas de agenda su rol pasó a Jude Law.

¿La recomendaría? 

Todo lo que ha hecho y hará Marvel es garantía de calidad dentro de un concepto que todavía ni imaginamos en su repercusión dentro de la historia del cine. Una piedra más en ese mural que aún a once años vista sigue sorprendiéndonos...y nosotros encantados de poder asistir en directo.

Top 5 Sitges 2017 : ¿Pero qué diantres hago viendo este engendro?



Un año más termina esta nueva edición del Festival Internacional de Sitges (se tiene que decir así o no se dice) y , si bien ha sido uno de los años en los que más he disfrutado con casi todas las películas vistas - unas treinta y pico, nuevo récord -, he echado en falta esa Película del Festival que aunase opiniones favorables (y desfavorables) y me cabreara que se fuese de vacío. Una lástima que en este 2017 no lograse verlo en la abundante cantidad de films presentados, si bien, afortunadamente muchas han sido lo bastante entretenidas para dejarme este buen sabor de boca.

Es decir, nada mal.

Peeeero (Meneillos) como la malicia rompe el saco, sin tristeza no hay alegría y el dolor es mi señor, quiero empezar esta serie de Tops 5 con lo más bajo, lo más tremebundo, lo más doloroso que he conseguido ver sin irme de la sala, pero que ha dejado tal desazón en mí corazón que...vale, exagero como viene siendo habitual, pero que no me han gustado, vamos.

Sin más, comenzamos con este Top al que me gusta llamar ¿Pero qué diantres hago viendo este engendro?

5 - A Ghost Story (2017) de David Lowery con Rooney Mara y Casey Affleck.
¿De qué va? Una pareja vive feliz y sin apenas problemas en una pequeña casa de la cual se van a mudar dentro de poco, hasta que un fortuito accidente de automóvil acaba con la vida del chico quien acaba convertido en un fantasmiko con sábana y todo. Su paso por el tiempo, inapreciable dada su forma actual, hará que pasado, presente y futuro se entrelacen.
Lo mejor: Posiblemente la caracterización de Affleck haya sido lo más (in)conscientemente gracioso de todo el festival. El empleo del paso del tiempo para narrar las etapas de la pérdida - ver el cambio de escenarios y que el protagonista no pueda irse de ahí está muy conseguido - consigue ser de lo más interesante, pero...
Lo peor: ...acaba resultado muy pesada. Entiendo que haya a quienes les atrapó su ritmo pausado, pero creo que para que una película de menos de hora y media se te haga larga es para mirarlo. Se habla de Rooney Mara y su maravillosa actuación, pero yo la vi menos expresiva que la tarta que se zampa de una tacada en la escena cumbre. Me sobra lo del falso formato 16 mm ¿Para qué?
¿La recomendaría? Sí. En realidad meto A Ghost Story en este Top porque es la clase de película que podría haber dado más de lo que da y se queda en un ejercicio más de estilo que sustancioso. Quizás si Lowery hubiese sido menos pretencioso...

4 - Jupiter´s Moon (2017) de Kornél Mundruczó con Zsombor Jéger,  Mónika Balsai y Merab Ninidze.
¿De qué va? Arya, un joven refugiado, recibe un balazo por intentar cruzar de manera ilegal la fronera. Dicha herida le otorga el poder de levitar haciéndole escapar del campo donde se encuentra confinado.
Lo mejor: Zsombor Jéger, su actor principal, no lo hace nada mal. Ciertos momentos con bastante carga visual, la mayoría condensados en sus primeros minutos.
Lo peor: Cuando pasada la media hora te das cuenta que el componente fantástico importa más bien poco y la trama se estanca. Ese simbolismo "religioso" de parvulario que acabó por sacarme de quicio por repetición de topicazos.
¿La recomendaría? Sí, al menos para opinar sobre la ganadora a Mejor Película. Por lo demás es bastante sosa en comparación con muchas otras competidoras que bien hubiesen merecido el galardón. Aunque, siendo sinceros ¿alguna vez estaremos de acuerdo con el palmarés de cualquier certamen? Pues eso.

3 - Muse (2017) de Jaume Balagueró con Elliot Cowan,  Franka Potente,  Ana Ularu,  Leonor Watling,  Christopher Lloyd y Manuela Vellés.
¿De qué va? Un profesor universitario tras pasar una situación traumática, tiene una serie de visiones donde es testigo del sacrificio ritual de una mujer, quien al poco aparece muerta de tal forma como en el sueño. Pronto, el hombre y una misteriosa mujer (la cual también tenía visiones con ese evento) se verán envueltos en una trama tan terrible como sobrenatural.
Lo mejor: Sin duda las musas del título. Sin hacer los tan temidos destripes, imaginad a las madres de Argento y convertidlas en empresarias sin escrúpulos que no aceptan un no por respuesta. Esa sería la aproximación más cercana. Algún apunte gore, una ambientación lograda y un Christopher Lloyd al que siempre resulta agradable ver.
Lo peor: Empiezo a darme cuenta de una cosa; cuando no está acompañado de Paco Plaza alguien que le ayude a no perder el norte, Barlagueró se pierde y no sabe cómo desarrollar ni rematar las películas, quedando estas tan bonitas como vacías. Pululan por la trama unos personajes tan anodinos que parecen contagiados por la enfermedad de la mosca tse-tse, excepto el interpretado por Manuela Vellés, quien parece que por segundos está recuperando su rol de Caótica Ana.
¿La recomendaría? Barlagueró sabe como crear ambientes sombríos y cargados de inquietud, así que si queréis ver un ejercicio de estilo, adelante, seguramente la disfrutaréis. El resto, en los que me incluyo, esperaba más, sobretodo por lo interesantes que son sus "villanas".

Suicide Squad

2 - The Maus (2017) de Gerardo Herrero Pereda con August Wittgenstein,  Alma Terzic,  Ella Jazz,  Aleksandar Seksan, Diana Fernández Pérez y Sanin Milavic.
¿De qué va? A punto de irse de Bosnia, una pareja se pierde en un bosque de camino al aeropuerto. Lo que no saben es que el bosque está plagado de minas y no son los únicos que están por ahí.
Lo mejor: Empieza bien, generando bastante tensión y mucho juego entre lo que es real y lo que no. La localización.
Lo peor: Los intérpretes y los personajes a los que interpretan. Se hace pesada cuando en teoría empieza la trama a cobrar fuerza. El componente fantástico...sólo digo eso. Su final es, a falta de otro término, incomprensible.
¿La recomendaría? Pese a tener cosas interesantes en un primer momento, la película empieza a desbarrar hasta conseguir aburrirte con tanto falso flashback y con tantas salidas de tiesto en cuanto a las reacciones de los personajes. Si hubiese sido un survival estilo Desfensa o Eden Lake hubiese estado mejor.

Antes de finalizar con el número uno, quisiese citar unas dignas competidoras que no han entrado porque no tenía ganas de hacer más amigos:

The Endless (2017) de Justin Benson y Aaron Moorhead. Una scifi tanto aburrida pero bastante conseguida su manera de generar tensión.
Annabelle: Creation (2017) de David F. Sandberg. Secuela de la infinitamente peor Annabelle pero no por ello deja de ser igual de fallida. Eso sí, muñeca sigue dando miedo.
Fashionista (2017) de Simon Rumley.  Estéticamente impecable pero con menos sustancia que una bebida isotónica. Demasiado larga.
Nevesta (La novia) (2017) de Svyatoslav Podgayevskiy. Se hace muy dura, aunque contiene dos o tres sustos que funcionan.

1 - Caniba (2017) documental de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel.
¿De qué va? En los años ochenta en París, un joven estudiante japonés mató a su compañera de clase francesa para acto seguido deborar sus restos mortales. Pronto fue encarcelado y declarado mentalmente inestable, haciendo que fuese repatriado a Japón, donde desde entonces vive con su hermano y (mal) viviendo de la fama que le dio su crimen.
Lo mejor: Ciertos momentos - como la parte del manga sobre el asesinato - donde verdaderamente se meten en materia, pero están tan alargados que acaban siendo tapados por el sinsentido general.
Lo peor: La manera tan pomposa en la que está rodado el documental, con unos desenfoques, salidas de cuadro y empleo del sonido que claramente pretenden incomodar al espectador pero lo único que hacen es sacarte de quicio. Pretenciosa a más no poder.
¿La recomendaría? Sólo a aquellos que puedan apreciar / aguantar tanta pedantería. Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel nos hacen un calvo durante hora y media en la que se mide la paciencia del espectador, para finalmente darte cuenta de lo poco que te han contado acerca de un tema tan (terroríficamente) interesante como es la historia de este hombre.

Bien, como podéis ver no todo el monte fue orégano y no todas las películas consagradas en esta edición han sido de mi agrado, aunque como siempre digo, mejor echarle un ojo a todas para tener una opinión fundada...si os atrevéis.

¡Hasta la próxima amiguismos!

Los payasos asesinos del espacio exterior (1988) de Stephen Chiodo

Payasos cabreados del espacio exterior.

Simpaticona comedia de terror (aunque de terror poco) donde los protagonistas no son otros que unos grotescos payasetes alienígenas con ganas de zamparse a medio pueblo, transformándolo previamente en algodón de azúcar, y al otro medio cargárselo de la forma más circense posible (no en vano, su nave espacial es...¡UNA CARPA DE CIRCO!) mientras van encadenando una serie de putadillas tras otras.

Este es uno de los casos en lo que te hacen preguntarte ¿qué fue antes? ¿el huevo o la gallina? O, directamente ¿Esta película copia a Mal Gusto (Peter Jackson, 1987) estrenada un año antes, o simplemente es una coincidencia muy grande que, salvando las (cercanas) distancias, ambas películas compartan el mismo argumento? Sí, es cierto que Killer Klowns tiene un humor más "ligero"(aunque también palme hasta el apuntador) si se compara con el humor de brocha gorda con el que Jackson pintó su ópera prima, además, tampoco tiene tanto gore, incluso diría que los payasos no derraman ni una gota de sangre a lo largo del film, pero ambas comparten tantas similitudes - aliens deformes caníbales de aspecto cómico, protagonistas humanos tontorrones y pasados de vueltas, final en la nave/hogar de los alienígenas ... - que me hacen pensar que los hermanos Chiodo debieron verse Mal gusto no pocas veces antes de ponerse a escribir el guión. Con todo, años después admitieron que si "homenajearon" a un film, ese sería The Blob ( Irvin S. Yeaworth Jr. 1958), película que curiosamente, el mismo año del estreno de Killer Klowns tuvo un remake (Chuck Russell, 1988). Todo está unido.

La película fue un relativo éxito de taquilla aunque más de alquiler; costando unos 2 millones de dólares, los cuales por cierto lucen de puta madre en pantalla (ya les gustaría a muchos directores contar con esos sets), y logró recaudar unos nada desdeñables 33 millones a nivel mundial.

Dirige Stephen Chiodo, quien pese a no dirigir nada de relevancia tras esta película (lleva intentando levantar una secuela desde los noventa), sí que ha ido participando en diversos proyectos ejerciendo de titiritero, su trabajo real.

Muy divertida, y con una canción principal que se queda marcada a fuego en la psique.

Poke (1985) de Luis Papiol Castell

Un niño se hace amigo de Poke, un super ordenador al que sus padres le han regalado por su cumpleaños de manera accidental. Juntos realizarán numerosas gamberradas que les harán ganarse la persecución de señoras y señores catalanes agentes del gobierno.

Curiosa película grabada directamente a vídeo y que durante finales de los ochenta encontró su hueco en las estanterías de algunos de los videoclubs de la época. Por su argumento podría decirse que estamos ante una mezcla entre Juegos de Guerra (John Badham, 1983) y sobretodo E.T. el extraterrestre (Steven Spielberg 1982) de la cual homenajea varias escenas, pero a la vista está que sin apenas medios, cosa que le añade, al menos para mí, cierto atractivo a su conjunto.

De los actores, supongo que todos ellos vecinos, amigos y/o familiares del director, no se podría/debería decir mucho, salvo que se doblan a ellos mismos con cierta desgana, en especial el niño protagonista que parece hinchado a diazepanes.

Dirige Luis Papiol, informático a quien le picó el gusanillo del cine (le comprendo) y que por la época de Poke regentaba un videoclub, cosa por Lejos de Casa del año 2000, la cual se presentó en el Festival Internacional de Sitges de ese año en la sección Brigadoon.
la cual el film únicamente se distribuyó por dichos locales y que hizo que la cinta obtuviera un cierto aire de culto en el mundillo
. Papiol no continuó con su carrera cinematográfica durante los noventa y únicamente volvió a tras la cámara con la película

Puro cine amateur hecho con cero presupuesto pero con mucha ilusión y ante todo ganas de pasarlo bien. Si sabes perdonar sus numerosas carencias sin duda alguna la podrás disfrutar.

Aquí os enlazo con la entrevista que concedió Papiol a Victor Olid para su blog Aquí Vale Todo.

ESPECIAL VERANO. DIA 12: "Independence Day" (1996) de Roland Emmerich.



Mira en la parte inferior derecha de la pantalla. Si, al lado de todos los iconitos. Exacto, al lado de la hora. Eso, la fecha del día de hoy. Estamos a día 4 de Julio y aunque no somos estadounidenses, lo cortés no quita lo valiente, y tenemos que quitarnos el sombrero por su gran cine espectáculo. Y en el día de hoy os traigo la cinta perfecta para una fecha tan señalada, realizada por el director más americanofilo que puedas echarte a la cara –y eso que es alemán-: “Independence Day” de Roland Emmerich.


La premisa de la cinta nos traslada a esas películas de ciencia ficción de los cincuenta y sesenta que tanto mamó su director durante su infancia. Un buen día, la Tierra se ve asediadas por unos platillos volantes gigantes. En primera instancia, no se sabe si vienen en son de paz o no. Pero finalmente, los extraterrestres comenzarán a disparar sobre todo bicho viviente. Nuestra esperanza reside, como no, en dos norteamericanos: el Capitán Steven Hiller –Will Smith- y el científico David Levinson –Jeff Goldblum-.

La cinta en sí, porque no decirlo, es un despropósito en cuanto a su lógica y narrativa. Pero estamos hablando de Emmerich, y este es un cine supervitaminado, con buenos muy buenos y malos que solo quieren destruir el mundo, donde la lógica a veces impera por su ausencia, pero en su lugar reina la diversión. Por eso, es muy importante dejar al espectador sesudo fuera del salón de estar y entrar a ver esta cinta como lo que es, una ensalada de tiros, ciencia de barra de bar, chascarrillos y muchas naves espaciales.

Como ya he dicho varias veces en los párrafos anteriores, el director es Roland Emmerich. El realizador no americano que más ha hecho por el cine del país de las barras y estrellas.
Tras realizar en el viejo continente una serie de películas no muy conocidas, pero que seguro vimos de pequeños algún Verano en Tele 5 como son “El secreto de Joey”“El secreto de los fantasmas”, dio el salto a USA con “Soldado Universal”. De la mano de su colega guionistas Dean Devlin llegó, vió y venció. Ya que después de la sudorosa aventura de Jean-Claude Van Damme y Dolph Lundgren vinieron cintas tan sumamente entretenidas como “Stargate” o “Godzilla” –donde el binomio Emmerich/ Devlin se disolvió-.
Tras coronarse –con permiso de Michael Bay- como el rey del cine de explosiones, Emmerich se atrevió con un drama histórico como “El patriota”, que aprobó con nota. Para volver posteriormente al cine que más réditos le ha dado, con mayor –“2012”- o menor - “10000”- fortuna. Para finalmente volver por la puerta grande con una de las cintas de acción más divertidas y contundentes de la década, “Asalto al poder”.



Y al frente de la resistencia humana tenemos a dos nombres para los cuales esta cinta significó el culmen de su carrera –Goldblum- o el nacimiento de una estrella –Smith-.
El primero ya era una estrella al llegar a la cinta de Emmerich. Ya había interpretado al doctor Brundle en “La mosca” y al carismático matemático Ian Malcom en “Parque Jurasíco”. Los papeles de tío listo le sentaban como anillo al dedo. Lástima, que desde esta cinta de 1996, aunque nunca haya parado de trabajar; no ha tenido papeles destacados, salvo en cintas como “El mundo perdido” o “Tras la sospecha”.
Para el segundo, que 28 años ya había tenido tiempo de hacerse rico, acabar en bancarrota y volver a enriquecerse; “Independence Day” fue la película que le asentó en Hollywood transformándole en el actor más taquillero de la industria por más de una década. Aunque ya tenía en su haber varios roles con cierta enjundia como el de “Seis grados de separación”, fue este papel de Capitan Steven Hiller y su Mike Lowrey de “Dos policías rebeldes” los que forjaron su estilo interpretativo y los roles que se le impondrían en los siguientes años. Casi siempre era el tipo un poco canallesco pero simpático, algo cuñao aunque mostrándose humildad en algún momento y, siempre el héroe de la función. Como he dicho antes, un auténtico filón para la taquilla, hasta los últimos años donde se le ha visto poco y en productos menos interesantes como “After Earth” o “Focus”.
Pero estos dos señores no luchan solos. Junto a ellos tendrán a toda una platea de secundarios que pondrán la sal y la pimienta a la cinta. Tenemos por un lado al presidente americano interpretado por Bill Pullman que –como no- es un excelente piloto de combate. También contamos con la ayuda de un veterano de Vietnam que está como una regadera, como el actor que lo interpreta, Randy Quaid. Y destacar también, como padre de David Levinson –y verdadero héroe de la cinta- al televisivo Judd Hirsch.


En definitiva, una cinta que es lo que es: una americanada como un piano de cola. Pero, ¿Quién si no ellos para salvarnos el día de unos extraterrestres que deciden volar la Casa Blanca?. Una nuevo tipo de blockbuster para un nuevo tipo de público. Y aún a día de hoy funciona como un reloj, de esas películas que el tiempo ha sabido poner en su lugar.

12 MUESTRA SYFY 2015: NUEVO AVANCE DE LA PROGRAMACIÓN


Del 5 al 8 de marzo, el cine Callao de Madrid se convierte en el epicentro del cine de género que no se ha podido ver todavía en salas comerciales

Este año será el primero en el que me perderé la Muestr SyFy de Cine Fantástico. Lo sé, es una putada, pero el trabajo es el trabajo...y cosas mayores vendrán.

Entre las películas de la edición de este año destacan, además de la inauguración y el cierre, Lo que hacemos en las sombras, Tokyo Tribe, Cub, Spring y A Girl Walks Home Alone at Night

La nominada al Oscar como mejor película de animación Song of the Sea se verá en la Muestra por primera vez en España

 De madrugada, las sesiones golfas traerán los estrenos de Hunger of the Dead y Crazy Bitches.

 Además de presentar el evento, la actriz Leticia Dolera protagoniza este año el cartel de la Muestra (sí, es ella).

El sábado por la mañana, la ya tradicional sesión de Syfy Kids recuperará el clásico Mi vecino Totoro, cuyo mítico director, Hayao Miyazaki, acaba de recibir un Oscar honorífico tras anunciar su jubilación

La duodécima Muestra Syfy de Cine Fantástico vuelve a inundar Madrid el primer fin de semana de marzo con el mejor cine de género. El jueves 5, el cine Callao abrirá sus puertas al fantástico con el pre estreno en España de Chappie, una historia de acción y ciencia ficción del primer robot capaz de pensar y sentir por sí mismo. Hugh Jackman, Sigourney Weaver y Dev Patel protagonizan la tercera película de Neill Blomkamp (Distrito 9, Elysium), que se estrenará en los cines de toda España el 13 de marzo.

 "En un futuro próximo, una opresiva fuerza policial mecanizada es la encargada de patrullar el crimen. Pero el pueblo se está revelando ante ello. Cuando Chappie, un policía androide, es robado y reprogramado, se convierte en el primer robot con la capacidad de pensar y sentir por sí mismo. Esto hace que fuerzas poderosas y destructivas empiecen a percibir a Chappie como una amenaza para la humanidad y el orden, y no se detendrán ante nada para mantener el status quo y asegurarse de que Chappie sea el último de su clase".
 Del jueves 6 al domingo 9 de marzo, el cine Callao de Madrid volverá a acoger una selección de algunas de las películas de género más esperadas y que todavía no han podido verse en circuitos comerciales. Este es un adelanto de la programación:

Como en anteriores ediciones, la Muestra trae a Madrid algunas de las películas más premiadas en el más reciente Festival de Sitges, como Cub (mejor director), Lo que hacemos en las sombras (premio del público y mención especial del jurado), Spring y A girl walks alone at night (menciones especiales del jurado), que recogen una variopinta e internacional muestra del terror contemporáneo, que va desde el homenaje al cine de campamento de los 80 (Cub) hasta las diferentes aproximaciones a la figura del vampiro en formato de romance (Spring), mockumentary (Lo que hacemos en las sombras) o cine de autor (A girl walks alone at night).

 Además de la sesión infantil de Syfy Kids con Mi vecino Totoro contaremos con el estreno en España de la película de animación nominada al Oscar Song of the sea, otra joya artesanal del director de El secreto del libro de Kells, Tomm Moore.

Algo que tampoco puede faltar en la Muestra es la dosis de cine japonés, en este caso de la mano de Sion Sono y su particularísima Tokyo Tribe, adaptación de un manga sobre guerras entre pandillas a ritmo de rap.

Para el público más excéntrico contaremos con dos sesiones golfas muy particulares: por un lado Hunger of the dead (Hunger Z), comedia nipona zombie con grandes dosis de casquería, y, por otro, Crazy Bitches, un bodycount femenino en el que un grupo de jóvenes vanidosas irán siendo aniquiladas una a una durante el mismo fin de semana.

La duodécima Muestra Syfy se cerrará con Under the skin, la más que comentada y polémica película de Jonathan Glazer protagonizada por una hipnótica Scarlett Johansson en el papel de alienígena que deambula por las calles en busca de presa masculina fácil.

Leticia Dolera no es sólo la presentadora de la Muestra este año. También es la protagonista del cartel de esta duodécima edición y del spot para comunicar el evento, una producción de Cómodo Screen para Syfy.

CANAL + se suma a la Muestra por segundo año consecutivo con una selección de cortometrajes de género que podrán verse antes de las sesiones principales del certamen. Los títulos elegidos son Safari, nominado en los recientes premios Goya como mejor corto de ficción, Sangre de unicornio, también nominado en los Goya en la categoría de mejor corto de animación, Ghost Train, Splintertime y 365.

 Además, como en anteriores ocasiones, el servicio Yomvi de CANAL + tendrá su propia lista de la Muestra, donde se podrá acceder a los cortos y a algunos de los títulos de anteriores ediciones.

Entradas y bonos a la venta el jueves 19 de febrero.
En esta edición, al igual que en la anterior, los bonos para todas las sesiones tendrán un precio de 40 euros, y 4 euros las entradas individuales, con la única excepción de la sesión inaugural, a la que sólo se podrá acceder por invitación o con el bono. Una parte del aforo de la sesión infantil de Syfy Kids se pondrá también a la venta, por un precio de 3 euros por persona. Todas las entradas estarán a la venta el próximo jueves 19 de febrero en las taquillas del cine y en entradas.com

Jupiter Ascending (2015) de los hermanos Wachowski




Demasiado descafeinada para resultar loca - Demasiado loca para resultar descafeinada.
No pintaba demasiado bien que a los célebres hermanos Wachowski (Lana y Andy) Warner les retrasase el estreno de su nuevo film, Jupiter Ascending, la friolera de seis meses. Se alegó que era para rodar escenas extra, aunque muchos supusimos que simplemente fue una maniobra para esquivar las producciones veraniegas y navideñas de Marvel - Disney, auténticos pesos pesados que acabaron por comerse al resto. El caso es que sea como fuere ya tenemos con nosotros la nueva película de los directores de la trilogía Matrix , la cual, dicho sea de paso, nunca me llegó a gustar, pero visto el resultado final de este film, es oro puro. Al menos allí sí sabían rodar.
A ver, os lo diré así de claro: JUPITER ASCENDING NUNCA DEBIÓ DE ESTRENARSE. En realidad no por nada en concreto...bueno sí en realidad (lo detallo más abajo), pero si no porque vista su tardanza y visto el empeño por parte de sus responsables de convertirla en un Megaéxito, visto su resultado final hubiera sido dejarla en el limbo. Da pena que unos directores a los que, si bien no tenía como las vacas sagradas cinematográficas que mucha gente dicen que son, sí consideraba que sus trabajos previos, Speed Race, V de Vendetta y El Atlas de las Nubes, eran unas propuestas interesantes dentro del cine de entretenimiento. Películas con las que al menos intentaban hacer algo diferente dentro de este terreno...luego que pecaran de pedantes es otra cosa. 

Al igual que me pasó con la reciente película de Las Tortugas Ninja (película a la que todavía me cuesta comprender el por qué de tal desbarajuste argumental), Jupiter Ascendig, a lo largo de sus eternas casi dos horas de duración, apenas encontré aliciente para seguir el hilo a una historia que intenta ser demasiadas cosas para luego acabar en nada. No digo con esto que sea equiparable a la película que dirigió Michael Bay  Jonathan Liebesman el año pasado. Al menos la revisión de las Tortugas Ninja es una aventura pasable para el que sólo busque un divertimento ligero, con personajes carismáticos y escenas de acción que intentan ser épicas o emocionantes, es decir; el típico producto destinado para pasar el rato con los colegas, parienta, hijos y suegra. Pues bien, el nuevo trabajo de los hermanos Wachowski ni tan siquiera intenta ser nada de eso, al contrario, solamente reina una sensación de locura y caos que pocas veces había podido ver en una pantalla, pero no me refiero a ese tipo de caos divertido, donde al menos puedes decir "como se les ha ido a los hermanitos"...
No.
Los Wachowski han capado al film y aquí no hay cabida a la diversión, cosa que choca  bastante con el homenaje poco velado que hacen a los seriales radiofónicos de los años cincuenta y sesenta (especialmente a Buck Rogers), y lo que tenemos a cambio es una historia que acaba convirtiéndose en un concadenado de "tramas" sin sentido - que copian con poco tino las bases de su película más famosa-, unos personajes tan planos como aburridos interpretados por unos actores aún más aburridos, unos Fx excelentes pero que acaban por imponerse a la propia trama (similar a lo que les pasó en...siempre) y una dirección que dista bastante de la demostrada en anteriores trabajos. Además, cuando intentan hacer una película de acción al uso, caen en el recurso de mover la cámara de un lado a otro, lo que acaba siendo más un mareo para el espectador que dar la sensación de dinamismo a la escena. Lamentable.
Entre los puntos positivos destacan la labor técnica; el trabajo tanto a nivel de efectos visuales como de ambientación es más que notable, destacando la construcción de naves y criaturas que es donde se acaban luciendo. La partitura por parte de Michael Giacchino (Star Trek) es, como suele ser habitual en el compositor, de lo mejor, otorgándole un toque épico y emotivo a las imágenes.También destaco el trabajo de Sean Bean, quien siempre aporta el buen hacer a sus trabajos y acaba siendo el que mejor se lo pasa en su papel.

En resumidas cuentas, como aventura de ciencia ficción se queda corta, como space opera es deficiente y como Serie B le sobra pretenciosidad.
Sigo intentando entender qué era lo que querían hacer los Wachowski de esta película, pero creo que ni ellos mismos lo saben.

Nota: 3

A Brave New World

Tras un avance que prometía mas nostalgia de la acabada mostrando (estamos viviendo en la era de los "trailers de trailers"), al fin podemos degustar el primer adelanto de los que será Jurassic World, la ultima película de la saga.



Dirigida por Colin Trevorrow, Spielberg debió de quedar gratamente sorprendido por su debut; Seguridad No Garantizada, ya que tanto a él como el guionista de la misma (Derek Connolly), se les contrató para llevar a buen puerto la secuela/remake/reboot de su ya mítica Jurassic Park, con solo esa ingeniosa, pero modesta comedia de viajes en el tiempo en su haber.

Ya alejado hace una temporada del titulo provisional "Jurassic Park 4", el proyecto ha pasado por todo tipo de fases, estadios y manos, hasta llegar a este Jurassic World, sin acabar de despejar este trailer las dudas de si será una "secuela" al uso, o un "reboot" con la intención de crear una nueva serie de películas.

No parecen haber reparado en gastos.

Sitges 2014: Orígenes (2014) de Mike Cahill



¿Y si hubiese algo más?

El director Mike Cahill, y la actriz/guionista Brit Marling, que ya ne dejaron planchado con su anterior film Otra Tierra vuelven a la carga con ésta fábula de ciencia ficción low cost (no creo que encontrara mejor definición) que se pudo ver este año en el Festival Internacional de Siges, dónde finalmente acabó irguiéndose como ganadora en el apartado de mejor película. Un galardón en el que no solemos coincidir casi nunca (salvo con Rare Exports), y que con esta creo que coincidiría, pero con reservas.

La historia nos sitúa cuando un científico en el campo de la visión - Michael Pitt con su habitual bien hacer -, durante una fiesta de Halloween (a este director le gusta mucho comenzar las películas con fiestas universitarias, ¿no?) conoce a una chica - la bella Astrid Bergès-Frisbey - a la que en principio no ve la cara, pero queda prendado de sus curiosos ojos, de los cuales saca una foto con su réflex, y que se marcha antes de poderle preguntar siquiera su nombre. Cual moderno Príncipe Azul en busca de su Cenicienta, va reuniendo las piezas del rompecabezas, que va formando en torno a los ojos de la chica, hasta que finalmente da con ella gracias a un anuncio publicitario...no me podéis negar que es un rato ingenioso. Los dos empiezan a salir e inmediatamente forman una conexión casi simbiótica en la que uno complementa al otro, pese a su diferente modo de ver la vida - ella es una creyente de lo espiritual, mientras que él cree en lo que pude demostrar -, como si estuvieran realmente hechos el uno para el otro desde siempre...y hasta aquí puedo leer sin caer en el temido SPOILER.

Si en Otra tierra veíamos un film centrado en la culpa y los pasos que se dan para la aceptación de la misma, en Orígenes vemos un retrato fiel de la pérdida de alguien a quien queremos, nuestro esperanzas para que siguiera aquí y que no se marchara nunca de nuestro lado. También se tocan temáticas tan interesantes como son el jugar a ser Diox que tan bien se le da al ser humano, el deseo primigenio de una vida después de la muerte, la religión (o espiritualidad) como ayuda, el control de nuestro destino y, otra vez, asumir la culpa de nuestros actos hasta alcanzar la redención, pero algunos de estos temas pasan tan aprisa por el film que corren el riesgo de pasar desapercibidos si no se presta atención.
Si de algo se criticar a éste film es sin duda sus primera hora, donde se circula a toda prisa y dando tumbos entre la comedia romántica y la ética de baratillo. El amor de la pareja te lo puedes creer gracias a las conversaciones que tienen sobre el destino y de la conexión que tienen previamente, hasta ahí vale, pero se hace tan rápido que a penas te da tiempo a procesar lo que tus ojos ven, más aún cuando hacen acto de aparición unos diálogos que de rebuscados son pretenciosos. Por suerte tras ese bache, la película empieza a coger ritmo, y pese a que siguen los diálogos cursis, son de mayor calado emocional y de menor sensiblería de novela barata.
El plano final, tal y cómo pasó en Otra Tierra, es simple y llanamente una auténtica maravilla.

En resumidas cuentas, pese a una primera mitad que peca de ser demasiado lenta, y que contenga algún que otro momento y diálogo sonrojante, lo cierto es que Orígenes acaba resultando una scifi muy digna. al saberse conjugar drama y fantástico de manera sobresaliente, apoyándose en todo momento con unos actores más que competentes.
Que mereciera o no el galardón a mejor película en el Festival de Sitges, eso es algo que dejo a vuestro criterio.

Nota: 7

"Interstellar" (2014) de Christopher Nolan




A falta de un Avengers o Star Wars, la película acontecimiento del año ha llegado. Estamos ante una de esas películas que darán mucho que hablar, harán correr ríos de tinta, megabytes de texto escrito pero que no harán que nadie llegue a un acuerdo… ni siquiera entre los miembros de esta santa casa.
“Interstellar” es una película de una grandiosidad innegable, un proyecto titánico, la visión de un creador de historias. Pero, ¿cumple con su prometido de ser algo bigger than life? ¿Es la película de ciencia ficción definitiva?
El film nos lleva a un futuro próximo donde la humanidad está en peligro debido a que los alimentos básicos –patatas, maíz…- están desapareciendo. Todo parece indicar que no hay salvación para la humanidad y que todos acabaremos sepultados bajo una gran nube de polvo. Pero hay cierta organización preparando un plan para tratar de solucionar el entuerto. Y por azares del destino se encontraran con un granjero, antiguo ingeniero aeronáutico, que puede ser la pieza clave para salvarnos a todos. Leída así la sinopsis –para poder dejar fuera todo tipo de spoilers-, parece que estemos ante la secuela de “Campo de Batalla la Tierra” o “Independence Day”. Pero claro, detrás no está ni un novato ni un director hueco, si no Christopher Nolan. Y esto significa que todo va a ser más oscuro, más complicado y más real –para bien o para mal-.
Y precisamente, al aparecer el nombre de Nolan es cuando todo se tuerce. Yo, como diría el Mago Tamariz, soy nolaniano –único chiste malo de la reseña, prometido- y por supuesto esta película la esperaba como agua de Mayo. Desde “Memento”, Nolan para mi es uno de los grandes, todo lo que tocaba se convertía en oro. Pero en mi opinión con esta extinción de la humanidad ha tenido su primer resbalón, sin que esto quiera para nada decir que es una mala película.



En cuando a la dirección, Nolan demuestra varias cosas: La primera es que sabe mover la cámara como pocos. Estamos ante una película que mezcla escenarios abiertos, pero también espacios cerrados, y la cámara está siempre en el mejor sitio para explicar cada escena. El inglés también demuestra que ha visto mucho cine de género. El director ha querido hacer su 2001 particular, pero el problema es que se ha acercado demasiado a la obra que parieron Kubrick y Clarke. Y no solo a ella. También a obras  de Tarkovsy, “Naves Misteriosas” o incluso “Horizonte Final”, la escena de la explicación del viaje por el agujero de gusano es un calco del film de Paul W.S. Anderson. Y el aducir que este “Interstellar” gravita –nunca mejor dicho- por todos estos referentes, no es una acusación de plagio si no una evidencia que hace de esta película su obra menos personal, menos carismática. Y es justamente en una de estas obras referentes donde surge uno de los grandes problemas al que se enfrenta Nolan, y este problema se llama “Gravity”. La sombra de la peli de Cuarón es alargada y ciertamente, las escenas situadas en el espacio o en el interior de la nave quedan ninguneadas por el espectáculo incomparable que brindó el director mexicano. Aún y todo, es de recibo decir, que este “Interstellar” tiene algunas de las mejores escenas recreando planetas imaginarios que nunca haya visto en la pantalla. Por ejemplo, la todo el metraje acaecido en el primer planeta es simplemente espectacular.
Por otro lado la película está llena de los ticks del director inglés: Por un lado, aunque parece que se ha dejado la tuba en casa, esta vez la ha cambiado por un órgano de iglesia para remarcar los momentos donde va a pasar algo. La banda sonora debería ser un instrumento para reforzar lo que se observa, pero acaba siendo algo cómico.  Y  por supuesto sigue con la actitud tan suya de ven aquí que te lo voy a explicar otra vez que eres cortico… Si hubiera desechado esta manía que tiene,  es posible que la peli se hubiera quedado en dos horas raspadas. Pero no, Nolan tiene que demostrar que es el más listo –o listillo- de la clase y con su tono condescendiente nos pasa una mano por el hombro mientras nos explica con palabras llanas lo que acabamos de ver.




En cuanto al casting, aún a riesgo de ser despellejado, es en mi opinión uno de los aspectos flojos de la película. Matthew McConaughey es un gran actor, y hace una buena interpretación pero no da el pego como pater familias. Cada vez que lo veía –y sobretodo oía- no podía creerme ver a Cooper, si no a Matthew McConaughey tratando de salvarnos de la extinción. Me hubiera gustado más ver a un Hugh Jackman padrazo australiano tratando de salvar al planeta sin el uso de las garras de adamantium. Y en cuanto al reparto femenino, ambas lo hacen bien, pero  tampoco   acabo de creérmelas en sus papeles.  Podrían  haber   dado mucho más intercambiándose  los roles: La Hathaway sabe llorar –ya lo demostró con creces en “Los Miserables”- y Jessica Chastain hubiera dado un mejor perfil como mujer fría que como la hija con remordimientos de Cooper.

Uno de los puntos del film que darán mucho que hablar es su conclusión. No voy a entrar en disquisiciones sobre si el final es bueno o malo, coherente o un deus ex machina como una batcueva de grande; pero lo que puedo afirmar es que durante unos segundos –mientras salían las primeras líneas de créditos- nadie en la sala se movió y ni hizo ningún comentario. Esto es un ejemplo de que por lo menos el final, sea como sea que lo quieras definir, es efectivo. A mi parecer, el último plano es uno de los más reveladores de la historia de la ciencia ficción.


En definitiva, estamos ante una buena  película. Una película que recomiendo a todo el mundo que vea. Pero no tanto porque me haya gustado –o no-, sino porque creo que todo el mundo puede sacar algo de su visionado. Por supuesto, en mi opinión, tiene unos problemas de ritmo considerables en la primera hora, demasiado afán por hacerlo todo muy real –esos robots que parecen fichas de dominó con patas- disquisiciones científicas y pseudomísticas –no hay que olvidar que entre bambalinas está Kip Thorne- y giros de guión que casi obligan a un segundo visionado. Pero, lo cortés no quita lo valiente, y debemos resaltar que Nolan los ha tenido bien puestos, no por hacer una película de ciencia ficción si no que hacer SU película de ciencia ficción. Y la verdad, en una cartelera ahogada de adaptaciones,  secuelas y remakes se agradece el esfuerzo señor Nolan. 

Meet Chappie

Protagonizada (entre otros) por el dúo de rap sudafricano (sic) "Die Antwoord", Chappie tratará sobre como estos - se interpretan a si mismos - dan con un robot equipado con inteligencia artificial y le enseñan y educan sobre... a saber.

Definida en su momento por su director Neill Blomkamp como una comedia, compresible respiro tras las mayoritarias pero desesperanzadoras Distrito 9 y Elysium, nos llega ahora el trailer, aunque sugiriendo menos "levedad" de la que en su día prometía Blomkamp.

Habiendo hace poco estrenado trailer Ex Machina, parece que la inteligencia artificial es popular últimamente. Veremos como le va a la española Autómata. Hasta entonces; Chappie "The Robot".

¡Cartelicos!: Interestelar (2014) de Christopher Nolan

"A ver, piensa, ¿dónde he aparcado el coche?"

Lo mejor:
Nolan y McConaughey en el momento álgido de sus carreras. Promete ser espectacular.

Lo peor: Que muchos esperen un 2001: Odisea en el espacio.

Lo que se espera de ella: Arrasar con todo a su paso.

DVD Zone: The Machine (2013) de Caradog W. James


Hará unos meses pude ver este film de ciencia ficción gracias al pago por visión, por desgracia poco en uso por estos lares, y qué queréis que os diga, iba sin mucho interés creyendo que iba a ver la versión low cost de Terminator, y acabé llevándome una sorpresa bastante agradable con el primer trabajo del director Caradog W. James: una ciencia ficción que sin mucho alarde y mucho oficio.

En los albores de la Guerra Fría entre China e Inglaterra, dos científico son recluidos en un búnker por el gobierno inglés para que les construyan el arma definitiva con la que ganar la guerra, en este caso una inteligencia artificial que sirva de prototipo para un futuro cuerpo paramilitar.

Máquinas como nosotros 

Resultará curioso, pero mientras veía la película recordé por momentos el cuento de Pinocho. Sí, el de la nariz. 
La relación que se establece entre la máquina y su creador - unos excelentes Caity Lotz (en un papel doble) y Toby Stephens, aunque la trama del último quede algo típica -, que ve en ella ya no solo como una esperanza para curar a un ser querido, si no una hija a la que intenta inculcar unos valores humanos, pero con la negativa de un gobierno obsesionado con ganar a toda costa la guerra, que quiere a la máquina lo antes posible. 
Temas tan comunes en este género, como el "¿qué nos hace humanos?" o "¿cuál es nuestro propósito en la vida?" adquieren un peso de suma importancia en este film, que acaba cuestionando hasta la validez de nuestros actos en pos de un acto, en teoría, tan noble como es el cuidar de alguien que queremos, ya sea esta una persona o una nación. 
En este caso el fin no justifica los medios, y nos es demostrado con total crueldad. El giro de guión que pega la película hacia la mitad del metraje, si bien no está mal integrado dentro de la trama, me pareció que convierte a un film que en principio resultaba original en un rudimentario producto de ciencia ficción. Pero ya os digo que por muy rudimentaria que se convierta la película, esta sigue siendo interesante y al menos no se convierte en un Splice.

Su director y guionista, Caradog W. James, a parte de tener un nombre que se presta al juego de palabras, resuelve la dirección su ópera prima de manera solvente, si bien es cierto que es más interesante su primera parte, en la que se nos narra la creación de la máquina, que luego en lo que se va convirtiendo la historia. Aún así el empleo inteligente que hace de los efectos especiales, que prime la narración al espectáculo desmesurado y una imaginación en cuanto al diseño de personajes o estructuras, hacen de este director un valor a tener en cuenta de cara a sus futuros proyectos.

En resumidas cuentas, una ciencia ficción nada al uso. Un(a) Pinocho del siglo XXII que nos plantea cuestiones aplicables a nuestro modo de vida actual, y nos deja sobre la mesa una distopía por desgracia no parece muy lejana.
Muy recomendable.

Nota: 7

Lucy (2014) de Luc Besson


Del 1% al 100%

Una estudiante llamada Lucy es raptada por la mafia coreana y obligada a trabajar como mula para pasar una sustancia sintética de caracter desconocido. Tras un fuerte golpe en el estómago, a Lucy se le abre una de las bolsas, haciendo que afecte a su capacidad cerebral, aumentando su capacidad cognitiva que acaba otorgandole unos poderes que harán que la buena de Lucy se cobre su venganza.

Luc Besson, autor que de un tiempo a esta parte ha trabajado más como productor (saga Venganza) que de director, vuelve al cine que le parió y para suerte nuestra vuelve por todo lo alto.
Aunque enmascarado por tanto efecto especial y un diseño de producción apabullante, vemos como el director de Nikita sigue siendo el de siempre y no ha perdido un ápice de la acción frenética y sin concesiones de sus primeros trabajos, salpicado en ocasiones por un fino sentido del humor basado en las situaciones descabelladas que vive la protagonista. Si bien Besson ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos, los momentos de acción siguen siendo de la vieja escuela, cargada de momento trepidantes - la persecución en el coche, que no falte, o el primer tiroteo contra los traficantes - y lo mejor; no hay rastro de la odiada cámara-tembleque, que tanto da por saco en esta clase de producciones.
El guión, firmado por el propio Besson, pese a estar cargado de los fallos que habréis leído en otras páginas - lo del cacareado del uso al 100% de la mente, mostrado mediante un contador que empieza en el 10%, entre otras licencias -, no es algo que moleste en absoluto, al contrario, se disfruta a tope cuando ves que esa "licencia" importa más bien poco cuando ves que la historia no llega a darte ni un segundo de descanso durante su más que ajustado metraje de hora y media. 
Ahora bien ¿quién en su sano juicio se plantea la veracidad de una película sobre una mujer con poderes casi absolutos? La respuesta debería ser nadie, y más cuando se trata de cine de entretenimiento pero, ay, de capullos está lleno el orbe. 
Ah, y atención a ese final cortahipos que me dejó pegado a la butaca. Ya os aviso.

Pero si hablamos de Lucy es hablar de Scarlett Johansson, espléndida en su rol de, en principio atormentada joven, y luego una máquina a la que no parece importarle la vida humana. Asombra ver como ha madurado como actriz, ya daba muestras de ello en las películas de Marvel, y que aquí demuestra galones al cargar con el peso entero de la película, y más cuando parte de un personaje a priori tan estereotipado como esta Lucy (reconozcamoslo), logrando sacar petróleo en cada aparición, lo que es prácticamente la totalidad del film. Pero sería injusto no citar el trabajo de dos titanes de la interpretación como son Morgan Freeman y Min-sik Choi, el primero en su papel habitual de amigo/mentor y el segundo, en su primera película angloparlante, como una versión más implacable de su Nameless Gangster que hace sentir la tensión cada vez que aparece en pantalla. Ambos secundan con bastante dignidad a Johansson, lo que no se puede decir de Amr Wake, que interpreta al policía encargado del caso, y que directamente no es más que una comparsa vacía.

En resumidas cuentas, una Scarlett Johansson impecable como (super) heroína de acción, secundada por unos más que solventes Morgan Freeman y Min-sik Choi, todos ellos dirigidos por el Luc Besson más acertado en mucho tiempo.
Acción, ritmo y diversión sin límite en una película que es sincera al darnos lo que promete desde el principio, y eso hoy en día ya es mucho.

Nota: 7/10

Rincón Misingno: Perseguido

Prometerme una cosa; si un día me deja de gustar el cine de acción interpretado por Sly,  Chuache, Bruce o cualquier otro Tito, matarme de la forma mas cruel que se os pase por la cabeza, porque en ese momento me habré convertido en una de las bainas de La invasión de los ladrones de cuerpos.
Joder, como las disfruto.

Corre Chuache, corre.

La historia nos sitúa en un futuro no muy lejano, donde las corporaciones gobiernan con mano de hierro y la televisión basura (más aún) ha sustituido a todos los medios de difusión. ¿Os suena? Un convicto (Arnold), culpado por un crimen que no cometió, es obligado a participar en el más famoso, y sádico, de todos los programas de la parrilla:

Perseguido.

Hacía algún tiempo que no veía este film, ya no sólo por la falta de tiempo (Telemadrid tuvo una temporada en la que la programaba en bucle) si no por pereza, sobretodo tras ver como Danko: Calor rojo, una película que veía/gozaba junto a esta de crío, se me hacía terriblemente pesada, así que decidí dejarla "reposar". Durante diez años más o menos.
Entonces llegó el día en el que cierto diario en su edición dominical vino a bien traer la edición en DVD del film, cosa que aproveché para hacerme con un ejemplar, eso sí, más por mi afán acaparador que otra cosa, porque hará dos meses de eso y no fue hasta ayer que decidí ponerla en el reproductor y darle una nueva oportunidad.

Cuesta admitir que uno la ha cagado, pero más admitir que has sido un completo y absoluto gilipollas. Niños, nunca tengáis  prejuicios infundados.
Es cierto que Perseguido ha perdido parte del toque mítico que recordaba de niño, y que ampliaré más adelante, pero reconozco que lo he pasado como un enano durante su visionado. Su historia sigue siendo una maravilla, que aúna la distopía más desoladora con la malababa de la que hacían gala las producciones de la época - ver el concurso de coger dinero mientras escalas una cuerda, y unos rottwailers te intentan morder el culo me recordó al Robocop de Verhoeven -, además de una sorprendente clarividencia acerca de lo que se ha convertido la televisión a día de hoy, donde si pueden vender una muerte para ganar audiencia lo harán. Da escalofríos ver como ese maestro de ceremonias interpretado por un inmenso Richard Dawson tergiversa la realidad para su propio beneficio, como cuando muestra un vídeo editado de tal forma que culpa al personaje de Chuache de la matanza indiscriminada de decenas de civiles o cuando pone al personaje de María Conchita Alonso como poco más de ser una "mujer de vida alegre". Por cierto, y ya hablando de los actores, Arnold por aquél entonces sería un actor más limitado de lo que es hoy en día, además de tener un marcado acento germánico cuando tiene un nombre como Ben Richards sumarle que su papel no deja de ser una masa de músculos, pero es que sin él la película sería una más de acción, y más pestiño, sobretodo porque nadie tendría ni la mitad de su carisma. Sorprende ver lo bien que se maneja tanto en las escenas escenas de acción, que son un ochenta por cierto del metraje, o cómo en las que tiene que actuar - cuando intenta escapar de Los Ángeles y se la juega al de la puerta - despliega ese carisma del que hablaba, que incluso llega a traspasar la pantalla. Otro que también destaca es el mentado presentador Richard Dawson, el cual da rabia no haberlo visto en más producciones, porque se le ve cómodo interpretando al villano de la función, el cual no deja de ser su reverso oscuro en la realidad. También citar a un Yaphet Kotto post Alien, aunque da pena que salga tan poco.

El cazador cazado

En el otro lad de la balanza encontramos fallos cómo que el guión no aprovecha demasiado a los llamados Perseguidores, ya que el bueno de Chuache se los acaba puliendo en un abrir y cerrar de ojos, reduciéndolos a poco más que masillas a los que reducir según se presente la ocasión. Sangrante es el caso de Jesse Ventura, que aquí interpreta al Capitán Libertad, y que no dejan ni tan siquiera una pelea "verdadera" contra el protagonista. Otro punto flaco es que su guión no desarrolla al personaje de María Conchita Alonso, que aquí no deja de ser una damisela en apuros (con mala leche) a la que salvar según requiera la situación. Suerte que a posteriori se convertiría en la Badass que todos conocemos y amamos, que incluso plantaría cara al mismísimo Depredador, también nemesis del Arnie.

El director Paul Michael Glasler siempre será recordado como el Teniente Starky, y que aquí está bastante correcto, cumpliendo sobretodo en las escenas de acción, donde de verdad se luce. Da pena que abandonara la dirección en favor de interpretar, salvo algún capítulo suelto de series como Las Vegas o CSI...y dirigir Kazzam con Shaquile O'Neil.

En resumidas cuentas, puros años ochenta en your fucking face. Diversión a raudales en una historia que acojona lo verosímil que puede llegar a ser, y protagonizada por un carismático (e imposible) Arnie en el mejor momento de su carrera. Puede que en algunos aspectos haya quedado desfasada, pero en lo que se refiere a diversión no ha perdido ni un ápice.
Si todavía no la habéis visto ¿a qué esperáis?

Ahora a por Danko.

Nota: 8

Rincón Misingno: Howard...un nuevo héroe (1986)



Con el estreno hoy en salas de la ultramegahiperesperada Guardianes de la galaxia de James Gunn, con uno de nuestros McFlys haciendo de árbol, y dado su eslogan, "todos los héroes tienen un pasado", quisiera hacer memoria y hablaros del pasado. concretamente de uno de los momentos más bajos por los que pasó la productora Marvel a mediados de los ochenta, antes de esta que pudiera limpiarse el culo con fajos de billetes de quinientos por sus éxitos editoriales y visuales, y que entonces vendía su culo al mejor postor. 
Os hablo de Howard...un nuevo héroe.

Hablar del film sobre Howard el Pato, sería hablar de uno de las mayores cagadas, y a la vez de uno de los mayores aciertos orquestados por el Hollywood reciente. 
Me explico.
Todo el mundo conoce que la existencia de este film se debe sobretodo al cabezón...perdón...a la cabezonería del director, guionista y, en esta ocasión, productor George Lucas, que quería hacerse una nueva saga de películas Sci Fi, para, ya sabéis, forrarse de manera obscena, sólo que en esta ocasión quería partir del cómic de culto Howard, the Duck, creado en 1973 por Steve Gerver y Val Mayerik. Más o menos los que hizo con El Cuarto Mundo de Jack Kirby cuando lo "adaptó" para hacer Star Wars, sólo que pagando los derechos esta vez, cosa que no le resultó para nada difícil, por raro que pueda sonar eso. Recordemos que estamos a mediados de los ochenta; Marvel vivía en sus carnes una crisis económica ininterrumpida y todavía quedaba mucho para que se convirtiera en la megavorporación que es a día de hoy, así que Stan Lee y compañía vendieron prestos los derechos al rechoncho autor para que hiciera lo que le viniera en gana con el malhumorado plumífero. Y por desgracia, así hizo.
Para tal maña tarea, Lucas, que en un principio quiso que fuera John Landis el director del film, se rodeó de un equipo técnico de total confianza, puesto que ya habían colaborado con él de una forma u otra en sus anteriores trabajos. Destacaba sobretodo una división de Apple que se encargó de los efectos especiales y que no acabaron muy satisfechos con su trabajo por las prisas y los continuos cambios de calendario que hubo a lo largo de la producción. Quedáos con ese dato. El resto es historia; las aventuras de este pato antropomórfico llamado Howard, que por culpa de un error científico viajaba a la tierra y se acababa convirtiendo en un héroe, fue un total y absoluto fiasco tanto en taquilla (se estima que costó casi cuarenta millones de dólares que no llegó ni a cubrir su resultado global), como en público, que se quejaba de lo infantil que resultaba a veces, y en otros momentos ver como un pato se lo montaba con la madre de Marty McFly (grande esa escena por cierto). Lo cierto que poco se pudo sacar en claro de este film. Lucas decidió dejar la producción a un lado y centrarse en ciertas precuelas (sic), y esa división de Apple, la que hizo los Efectos Especiales, con un tal John Lasseter a la cabeza, poco después se separó del amparo de Steve Jobs (aunque eso no está del todo claro), se acabó por anexionar a Disney y se acabó convirtiendo en Pixar Estudios. Ahí es nada.

Ya hablando del film, lo cierto es que si quitamos que a ratos su trama resulta de un infantil que tira para atrás, y en ocasiones de un adulto que atrae (la escena del condón, mítica e impagable), o que el director no tuviera idea de rodar escenas de acción, como bien demuestra en los compases finales de la cinta, y sobretodo que este Howard NO es el de los cómics al no tener ese marcado humor socarrón y paródico que era la obra de Gerver, lo cierto es que nunca peca de ser una película aburrida, y si se ve en compañía (nada de infantes), las cotas de diversión alcanzan la estratosfera. Ver cuando Howard llega a la tierra y choca con los habitantes terrestres, si bien se ha visto mejor resuelta en otros films, sigue haciendo gracia.

En cuanto a los actores, sólo Lea Thompson puede salvarse de la quema con un papel en el que realmente se ve que se lo está pasando pipa, ya que el resto de interpretes están en piloto automático o...son Tim Robbins. Sí, Tim Robbins, el ganador de un Oscar, el reconocido actor hace aquí una interpretación que de haberla visto los de la acanemia antes de darle la preciada estatuilla, le hubieran dado con ella en la cabeza hasta que perdiera el sentido. Su culmen es ver como se comunica con el Pato mediante sonidos que harían sonrojar a Donald. Para matarlo.

El director y guionista Willard Huyck, que venía "enchufado" por Lucas tras escribir los guiones de American Graffiti e Indiana Jones y el templo maldito, no volvió a sentarse en la silla de director, y tampoco hizo mucho más tras la cámara. Su único trabajo posterior data de 1994 y es una colaboración en el guión de Asesinatos en la radio, en la que también contaba con Lucas de mecenas. Supongo que tal abandono de la profesión se debió a que el bueno de Huyck acabaría escarmentado tras finalizar un rodaje que acabó siendo un auténtico infierno, o que el director de Star Wars le pagó un gritón de dólares para que se ocultara bajo una piedra, (porque quemar/enterrar las copias del film le saldría muy caro), y así olvidarse del batacazo sufrido. Apuesto que eso último fue lo que pasó.

En resumidas cuentas, pese a ser en el algunos puntos una auténtica y soberana gilipollez (Tim Robbins), y que ni tan siquiera el director sabe a qué público va dirigida, lo cierto es que la película dentro de sus limitaciones es bastante entretenida, tiene a una Lea Thompson más carnal que nunca y se te pasa volada gracias a que nunca dejan de sucederse cosas en la pantalla. La mayoría chorradas, pero cosas al fin y al cabo.

Ojalá llegue un día en que Marvel nos traiga una película en condiciones, llena de humor negro que es su insignia. Si se ha hecho con los guardianes, ¿por qué no con el bueno del pato Howard?

Hasta entonces...¡LEED LOS CÓMICS!

Nota: 5


Guardianes de la Galaxia (2014) de James Gunn

Gracias Marvel. Gracias Marvel por arriesgarte y darle cientos de millones a un zumbado que trabajó en Troma. Gracias Marvel por poner de protagonista a un tío que aún no había sido cabeza de cartel de nada. Gracias Marvel, por poner de sidekick a un mapache y un árbol. Gracias Marvel, porque ha funcionado.
Ya os aviso que esta crítica no viene dada por un fan talibán de las películas de superhéroes y menos de las de Marvel. Hay muchas de estas películas, que el público general considera buenas y yo no aguanto – las del Capitán América- y otras que la peña dice que son truños y yo las disfruto – “Green Lantern”- Yo divido las películas Marvel a grosso modo  en 3 categorias: 
1.       Las que me encantan, entre las que estarían las de X-Men –todas- y Spidey.
2.       Las que veo pero ni fu ni fa, donde estarían las del universo de los Vengadores.
3.       Las basuras, “Los 4 fantasticos” o “Ghost rider”.
Esta “Guardianes de la galaxia” entra de cabeza en el primer grupo. Recupera esa sensación de antiguo cine de aventuras que no sentía desde “El señor de los anillos”. Es un film espectacular para ver en pantalla grande, con el sonido envolvente y sobretodo con el botón de desconectar activado. La película está llena de deus exmachina y ciertas cosas no tienen mucho sentido. Pero, no pienses en ello hasta que se enciendan las luces, aquí hemos venido a disfrutar del viaje, no a pensar.

En la dirección tenemos a James Gunn. Un tio salido de Troma y que en mi opinión es peor director –“Slither”, “Super”- que guionista – “Dawn of the dead”, “Lollipop Chainsaw”-. Pero en esta cinta se nos presenta como un cuenta historias de primera, que nos lleva de A a Z a través de todas las letras de la galaxia sin que la velocidad baje en ningún momento. Entre los grandes aciertos que introduce James Gunn a la peli es su ritmo. Estamos ante una montaña rusa hecha película. Vamos de un sitio a otro, de una prisión a una especie de rastro espacial, a la capital, al portal de Thanos –por que en verdad nuna se entra en el hogar de Thanos, el tío llega a recibirnos al umbral en su sillón incómodo-. Y sobretodo, James Gunn encuentra el punto exacto entre el tono coñero y el épico, sin caer en la vergüenza ajena en ningún momento.


En cuanto a los actores, tenemos a la cabeza de los guardianes a Chris Pratt. Para muchos será un descubrimiento, pero los que seguimos religiosamente “Parks and Recreations”, sabíamos de lo que era capaz. Con socarronería y un buen control del humor físico confecciona un personaje hecho a retazos –en el buen sentido de la palabra- de los mejores antihéroes de los 80´s-90´s. Este Peter Quill tiene un poco de Snake Plinsken, una pizca de Ash, un aroma a Han Solo, pero en mi opinión su fundamento de antihéroe no es otro que el gran Napoleon Wilson de “Asalto a la comisaría del distrito 13”.
Acompañándole, tenemos a Zoe Saldana, como Gamora que como personaje en si no tiene mucho que aportar, pero como contrapunto de Quill hace un buen papel. También está Dave Bautista, como Drax. Este en mi opinión, es el mejor de los secundarios que acompañan a Quill. Se nota que el luchador se ha pagado unas clases de interpretación para hacer un personaje que podría ser la típica mole y darle una serie de matices muy de agradecer. Y para finalizar tenemos a Rocket, un experimento con un ingenio aún más afilado que su lengua. Y Groot, un ser arbóreo con poco vocabulario pero gran corazón.
Entre los malos tenemos también a un grupo variopinto. Cabe empezar con el actor fetiche del director, Michael Rooker. Aquí hace de Yondu Udonta,  el en principio jefe del cazador de tesoros Quill, pero que por culpa del vil metal su relación cambiará. También tenemos a Nebula, interpretada por la ex doctor companion Karen Gilan, como parte de una familia muy poderosa. Y por último los amos de la función: Thanos, con la voz de Josh Brolin, haciendo su presentación en el universo Marvel; y Ronan –interpretado por Lee Pace- un malo de los de verdad, y con un plan de los de verdad: cargarse a todo bicho viviente.
En cuanto a los cameos y apariciones tenemos desde John C. Reilly como soldado o Glenn Close como la presidenta de Nova hasta Lloyd Kauffman –descubridor de James Gunn- como preso o cierto ánade del que hablaré al final.


Otro gran acierto es el diseño de producción. Gunn y su equipo podrían haber tirado por copiar el estilo suntuoso de Guillermo Del Toro, o el horror vacui del último George Lucas. Pero acertadamente, tiran por un estilo más “Gallactica” donde las naves tienen pinta de oler a orín y hay diferencias entre los personajes que hay en una cárcel o en la capital pero sin llegar a chirriar. Y hablando de la capital, no puedo dejar de decir que –aunque no lo he visto en ningún sitio, y lo he buscado- los  responsables de diseño de producción seguro que han ido a Valencia, porque la ciudad capital de Nova es una versión XXXL de la Ciudad de las Ciencias en el año 3000. Y como valenciano, es algo que me encantó.

Es cierto que disfruté como un enano con la película, pero un pensamiento pasó por mi cabeza: ¿Cómo hubiera sido la película si la hubieran hecho en los 80? Eso ya hubiera sido lo más. Veo unos guardianes interpretados por Kurt Russell como Quill, Sigourney Weaver como Gamora, Arnold Schwarzenegger como Drax, Warwick Davies –con la voz de John Belushi- como Rocket y el vozarrón de James Earl Jones para darle vida a Groot. Estos se enfrentarían a Linda Hamilton como Nebula, Harrison Ford en el papel de Yondu Udonta. Y como malos malísimos: Mel Gibson haciendo de Ronan y Sly de Thanos. Y todos ellos dirigidos por John Carpenter. Esta fantasía de nostalgia mal comprendida es lo único que podría mejorar esta genial película.

Para terminar, no puedo dejar de comentar la escena post créditos (EMPIEZA SPOILER). Imaginaos una sala de cine un Lunes de Agosto a las 2 de la tarde, lleno de adolescentes y chavalitos – aunque aquí los chavales son respetuosos y no hablan en las pelis ni dan por saco-. Y cuando aparece Howard el Pato haciendo una coña con Benicio del Toro empezaron todos: ¿Y ese quien es? ¿Howard quien? Entonces llegue a una conclusión: Me hago mayor. Pero espero que dentro de 15 años, vayan ellos a ver “Ant- Man 3” y en los títulos de crédito aparezca El Anillador y los entonces chavalines se empiecen a preguntar quién narices es, y ellos tengan el mismo sentimiento que tuve. (FINAL DEL SPOILER)

En resumidas cuentas, después de la mala leche que le dejaron los últimos trabajos de Marvel Studios como “El Capitán América 2” y “Iron-man 3”, tenemos una cinta que nos devuelve la ilusión de ir a ver una peli de aventuras y estar durante dos horas en un vórtice temporal en el cual todos los asistentes a la sala tenemos 8 años otra vez. Once again, gracias Marvel.