Mostrando entradas con la etiqueta 2013. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta 2013. Mostrar todas las entradas

"Crystal Lake memories" (2013) de Daniel Farrands.


El Verano está a la vuelta de la esquina. Lo noto en el aire, lo noto en el agua, lo noto en las cartucheras… ¿Y qué cosa hay más veraniega que los campamentos? Esos lugares donde padres pueden mandar a los chavales por dos semanas para que no den por sa… para que se lo pasen bien y aprendan de la naturaleza y todas esas cosas.



Por supuesto, si el año pasado estuvisteis al tanto del Especial Verano que inundó esta santa casa os disteis cuenta que el subgénero campista es toda una institución al otro lado del Atlántico. Por eso os traigo hoy un documental que aborda la saga más representativa de dicho subgénero, “Viernes 13”, con el documental “Crystal Lake Memories” de Daniel Farrands.



Primeramente, sería injusto decir de la cinta que es tan solo un documental, ya que estamos ante un titánico documento de casi 7 horas que cuenta con todo lujo de detalles los entresijos de la saga de la familia Voorhees, basándose en el libro homónimo de Peter Brake.  
Durante los 3 DVDs –al menos en la edición que poseo- verás a la gran mayoría de actores y actrices que se foguearon con Jason y su madre –aunque para nuestro disgusto algunos de los más famosos hace mutis por el foro- contando sus batallitas, o a directores y productores en una diatriba dialéctica por ver quién era el más visionario… En fin, asuntos que todo fan apreciará.




Porque no nos engañemos, esto es un producto para el fan y hecho por fans. No en vano, Daniel Farrands ya nos brindó “His name was Jason” – de donde fusila entrevistas para la cinta de hoy-  y otro de esos documentales totémicos como “Never sleep again” – de donde también extrae una ingente cantidad de material- ; basado en la saga de “Pesadilla en Elm Street”. Todos ellos auspiciados por la productora 1428 Films. Si veis un DVD con su logo, haceros con él.


En definitiva, un documental para aquellos que nos sabemos la saga de Viernes 13 al dedillo, y que pillaremos la mayoría de referencias que saltarán a tu cara como si estuviéramos en su tercera entrega. Todo ello conducido por un maestro de ceremonias de excepción como Corey Feldman. ¿Quién mejor para hablar de Jason que aquél que se lo cepilló? ¡Bienvenidos a Crystal Lake!

Somos lo que Somos (2013) de Jim Mickle


La importancia de la familia

Una madre de familia muere en extrañas circunstancias mientras iba a la compra, dejando a su familia - las dos hijas, el hijo menor y el padre - sumida en una tristeza casi insoportable. Sin embargo, dicho fallecimiento no interferirá con la celebración de un ritual que la familia lleva realizando durante generaciones. 

Jim Mickle es de los pocos directores que a día de hoy calificaría como interesantes, y de los pocos que he visto que han sabido llevar a buen puerto un remake y que este superase al original. Capaz de empezar de manera rompedora un film - ahí están los primeros minutos de Stake Land o Mulberry St para corroborarlo - y de crear una atmósfera desasosegante, el director hace un perfecto retrato de la América sureña más sombría (lo mejor de todo el film), en donde lo cotidiano y lo terrorífico se dan de la mano. Pero no todo es positivo; a Mickle falla cuando le toca ir más allá del punto de partida y desarrollar una trama (no así el desarrollar sus personajes), cayendo casi siempre en la problemática de no saber hacia donde ir debido a un exceso de sugerir y de no explicar, lo que acaba creando unos agujeros de guión que, si bien no arruinan la calidad del film, bajan enteros a lo que debió de ser. En Somos lo que somos aparecen nuevamente estos excesos de Mickle, y la trama en ocasiones no te explica según qué detalles, cosa que no estaría mal si estos no fueran tan importantes para el devenir de la historia. Amén de un final en el que ya todo vale y se desata una vorágine de violencia, pero que al menos cierra el film de manera más o menos satisfactoria.

En cuanto al reparto, destacar el trabajo del trío protagonista que es simplemente soberbio, en especial cabría citar el trabajo de Julia Garner, la cual logra encandilar a media platea con ese pelo rubio a lo Shirley Temple y su mirada felina. Michael Parks como suele ser habitual en él realiza una magnífica interpretación del doctor del pueblo, quien tiene cuentas pendientes con los Parker. Llega a sobrecoger su actuación en el momento en el que ata cabos y descubre la naturaleza de esta familia además del destino de su hija. Impagable. Por contra tenemos a una episódica Kelly McGuillis, musa establecida de Mickle tras Stake Land, de la que no hay mucho que decir salvo que está ahí para cubrir hueco porque su papel da poco de sí salvo dos escenas.

En resumidas cuentas, una nueva vuelta de tuerca a la imagen del American Gotic, la cual en ocasiones va de lo eficaz a lo sobresaliente y en otras queda lastrada por ciertos detalles de la trama. Aún así, es de lo mejor que podéis ver hoy en día dentro del género de terror.

Nota: 7

Avalanche Sharks (2013) de Scott Wheeler



La tiburonóloga de guardia en McFlynoeraungallina no se ira de vacaciones navideñas, no la dejamos. Disfruten de una de sus excéntricas y divertidas reseñas; esta vez le toca el turno a... Avalanche Sharks

Llegan las navidades, esas fiestas tan cínicas, hipócritas, hiperconsumistas y de soportar a ese familiar inflanarices que el resto del año lo estrangularías con sus propias tripas, todo muy bonito, muy alegre, muy nevado y claro, los tiburones no podían faltar a la cita y con esta cinta vamos sobrados de esas sardinas, en este caso creo que son 5 o 6, con una piel reptilesca… Y no, no es una peli Asylum, pero se le parece.

Empezamos con dos snowboarders gilipollas hablando de lo duras que se les ponen las pollas viendo señales de prohibición (aquí ya muestra el cáliz en cuanto al sexo del resto de la cinta), mientras uno de mantenimiento de las pistas "bombardea" una parte de la montaña vaya usted a saber con qué fin, momento en que unos ¿Tótems? caen, brillan y aparecen las primeras sardinas reptilescas, jamándose a los dos gilipollas.

Nos trasladamos a un lugar sin nieve, pero con un maniático del orden milimetrado y dos chicas, ambas rubias, una de ellas superficial y que dice que para lo único que va al Resort es para ligarse a tíos ricos y superficiales que le quieran por el cuerpo a cambio que le compren cosas (aquí ya empieza a pincelar que para los guionistas, las mujeres somos una putas, mensaje que se repetirá a lo largo de la cinta varias veces).
Volvemos a la montaña nevada donde la protagonista femenina hace gala de otro manido estereotipo machista; "yo me he mantenido solita estos meses, así que como tú eres el macho me montas y me mantienes tú" (repitiendo las alusiones de la superficial antes mencionada).

Hoguera, alcohol, gilipollas borrachos, noche, todo augura una preciosa masacre, pero… llega el típico viejo loco que advierte que ¿Escroto? (el espíritu de la montaña) va a matarlos a todos y que va a haber una riada de sangre, no en ese momento a pesar de la idoneidad de la situación. Un niñato sigue al loco y le pregunta, se aleja de la seguridad, llega una sardina y se lo jala. La prima del muerto por ir en solitario lo busca, y el jefe del resort le dice; "Nada se ha encontrado con una conejita que le ha dado problemas, porque claro, aquí todas sois unas zorras".

Pareja está recorriendo el paisaje y ella se va quejando que él sólo quiere birras y sexo, que su relación es un bodrio, porque él se queja de estar andando… entonces ella tiene una genial idea; "Si me acompañas follamos" (Que te acabas de quejar de eso mismo, pero, ale, adelante), él la sigue con el nabo al rojo vivo, pero le dice la tía dime que me amas, él no se lo dice y al minuto se la jalan los tiburones reptilescos.

Los vigilantes de las pistas dicen al "cherif" que detengan al loco, que va a arruinar la temporada, lo dejan con él y le explica lo que hay, no le cree, pero la novia del "cherif" (como 20 años más joven) le dice que miré un expediente, en él hay un dibujo de un tiburón de la nieve y entonces ella le cuenta la lacrimógena historia que a sus padres se los comió hace 25 años esos mismos bichos y por eso se hizo bióloga y que el loco le salvó la vida… (teoría más que cogida por los pelos, pero no explica cómo se los quitaron de encima).
Para la siguiente muerte, casi lo mejor es remitirme a esta canción: https://www.youtube.com/watch?v=xhrBDcQq2DM (muerto por amor, no por gilipollas).

Avisan al alcalde de los tiburones de la nieve, se muestra escéptico, se ríe y dice que no le sale de los huevos cerrar las estaciones de esquí por cinco desaparecidos que estarán follando por ahí… que para eso se hacen estas festividades. (topicazo mil veces usado; avisar al alcalde significa que a éste le sude la polla y piense que el dinero vale más que las vidas)
El maniático del orden le explica a una tipa en el teleférico la leyenda del lugar (Atención TOPICAZO); el hombre blanco empezó a diezmar a los nativos y los llevaron al exterminio en lo alto de la montaña, exterminándolos menos (qué curioso) al chamán de la tribu, que clamo a Escroto que le mandase a la venganza para matarlos, los tiburones se comieron a todo hombre blanco.

Tipa por la que se pelean dos energúmenos en celo propone zanjar la disputa "a lo macho", una carrera y el que gane podrá abrirla de piernas, total, ella sólo es un cachocarne para satisfacer las ansias sexuales de los machos… ¿no? (realmente creo que los guionistas son unos machirulos piensapollas que piensan que todas las mujeres nos regalamos a machos alfalfa). Se la comen cuando el "ganador" va a por su "trofeo".

Mientras el protagonista masculino agarra a un tío para decirle que o para el teleférico o lo desmenuza, la novia intenta calmarlo, él ni corto ni perezoso le da un codazo a ella en toda la boca, ale, como si nada… ¿lo próximo qué será? (He visto alguna peli machista, pero esta se lleva la puta palma).
Una asiática que casualmente en las escenas que aparece no entiende ni papa de inglés, causa, sin querer, una nueva avalancha, con lo cual los tibus llegan a la estación, causando muertes por doquier, entre ellos el "Cherif" (me caía mejor que el machoalfalfa del prota masculino), hieren al jefe de socorristas de la estación, pero no lo matan, ya que lo usan como cebo para comerse al resto, no consiguen su objetivo y comienzan a hostiar la cabaña, momento en que las tías salen por patas quedándose el macho-alfalfa, al cual parece que se lo van a comer, peeeero… la asiática que casualmente está donde los totems que cayeron está recolocándolos y le salva por el pelo del ojete de una gamba y va recolocándolos, aunque no salva al capullo del guardapistas, ni a la prima histérica del capullo solitario, ni al viejo loco, recoloca todos los totems y se va… ¿Y ésta cómo coño sabía que tenía que hacer eso si ni es nativa? Total, quedan vivos el machoalfalfa, la novia y la bióloga y todo porque una asiática que "pasaba por allí" casualmente recoloca los Totems…



¿Apreciación? Unos agujeros de guión más grandes que el culo de mi cuñado (aunque no tan peludos por suerte), diálogos de besugo con mixomatósis, producto para ver una y no más, que ya he tenido que enterrar demasiadas neuronas, personajes planos, vacíos y superficiales (y por qué no decirlo un tanto gilipollas), con un toque rancio de un machismo que dan ganas de cortarles los huevos a los guionistas.

En fin una puñetera bazofia sólo para gente que no quiera usar una neurona siquiera y que es más mala que un tumor en los huevos.

Juegos Sucios (2013) de E.L. Katz


El libre albedrío de los necios.

¿Quién no ha jugado alguna vez al "no te atreves a..."? Sí, el juego en el que se reúnen una panda de amigos con una ingente cantidad de alcohol (cerveza a ser posible) y que, tras charlas del tipo montemos un bar, se acaba proponiendo una serie de retos, a cada cual más over the top, hasta acabar desnudo pidiéndole la hora a un tipo que pasea su perro a altas horas de la mañana...esto no me ha pasado a mí, que conste.

Pues este film es eso multiplicado por un millón.

Juegos sucios se trata de una comedia negrísima, donde el in crescendo de burradas alcanza tales cotas de locura que finalmente te tienes que reír. No con la risa floja, no, si no la carcajada pura y dura. Ver cómo estos dos amigos se dejan manipular cual marionetas por una pareja sin escrúpulos, la cual les va poniendo una serie de pruebas a cada cual más cafre, cuyo resultado será obtener una suma de dinero bastante sustanciosa que ambos, en principio, necesitan con urgencia.

E.L. Katz realiza con su ópera prima un juego de espejos, parecido al que veíamos en el último segmento de Four Rooms (broma incluida), donde nada es lo que parece y el despiste es la tónica general. Los giros de guión, las motivaciones variables de los personajes o una trama que nunca vemos por dónde va a salir son la tónica general, que converge en un final que, pese a dejar de entreverse cerca de la mitad, consigue resultar sorprendente. Hablando de Katz, muchos han visto un toque tarantiniano en su forma de rodar, compaginando parrafadas dialécticas con la dirección más hiperactiva, aunque yo diría que por momentos se acerca al más al Robert Rodriguez de los buenos años, pero con la suficiente entidad propia - el principio en el bar - para resultar original. Seguiremos sus pasos, por lo pronto le vemos en ABC´s of the Death en el segmento de A of Amateur.

Cabe destacar el trabajo de los cuatro (y casi únicos) actores del film, los cuales interpretan de maravilla unos roles que en principio nos resultarán un tanto arquetípicos, pero que con el devenir de la trama se irán revelando más complejos, evolucionando según avanza este "juego". Todos ellos son viejos conocidos para los amantes del género, si bien seran el veterano David Koechner (El reportero y Destino Final 5) y la no menos veterana por joven Sara Paxton (La última casa a la izquierda y The Innkeepers) los más reconocibles para el gran público - aunque los dos protagonitas principales, Pat Healy y Ethan Embry, han tenido papeles destacados en films de la talla de Gohst World, Magnolia o Habitación sin salida respectivamente -.
Los efectos físicos y de maquillaje que nos encontramos, aunque no tan efectistas para que salga disparada la sangre a chorros, si son lo bastante "creíbles", y hacen que el film acabe convirtiéndose en un festival de narices rotas, desencajamiento de extremidades, (auto)amputaciones de dedos y mucha hemoglobina.

En resumidas cuentas, un comedia negra divertidísima, bien rodada, mejor interpretada y con un ritmo acojonante, puede ser una de las mejores sorpresas que me he llevado en una sala de cine en años.
No se la pierdan.

Nota: 8

"Una cuestión de tiempo" (2013) de Richard Curtis.

Hoy os traigo una de esas películas que madres y abuelas catalogarían como una película muy bonita. Y la verdad es que razón no les falta. Que no os tiré para atrás ese poster donde se ven a Rachel McAdams y Domhnall Gleeson chopados y riéndose y que podría pasar por una comedia romántica cualquiera…porque estamos ante una película de fantasía con todas las de la ley.
El argumento es cuanto menos curioso: El día de su 21 cumpleaños a Tim le es revelado el misterio de su familia: Todos los hombres, al cumplir 21 desarrollan la habilidad de viajar en el tiempo. Esta premisa puede sonar casi ridícula, pero Richard Curtis nos muestra lo buen guionista que es al dotar a este argumento de una verosimilitud tal que podrías pensar que el misterio es algo tan normal y corriente como que a las 21 se empiezan a quedar calvos.  Y otro punto a favor de Curtis es que en vez de usar esta premisa para crear una película típica de chico tiene poderes y los usa para hacerse rico y conquistar a la chica, nos muestra como Tim usa esos poderes en su día a día pero sin un fin en sí. Más que proponernos un objetivo que Tim tiene que conseguir, Curtis quiere que viajemos con él y su familia durante toda su adultez.





La película tiene esos momentos que nos ha mostrado Richard Curtis en sus otros films: bodas con música, lluvia y una serie de personajes que parecen enzarzados en una pelea por ver quién se queda con la película. Pero aún y habiendo alabado a Curtis como  guionista, es como director donde flojea estando algunas escenas descompensadas; aún y resolviendo las paradojas temporales con mucho oficio y sin que resulte algo artificioso e inconexo.
Junto con el guión, el otro pilar sobre el que se sustenta el film es su reparto. Como protagonista y viajero temporal novato tenemos a Domhnall Gleeson –hijo de Brendan Gleeson- que nos muestra a un personaje muy inseguro al principio pero que con la ayuda de su padre aprenderá a controlar sus poderes y a cómo usarlos con cabeza. Haciendo de su padre tenemos a Bill Nighy, que en mi opinión es el verdadero robaescenas de la película, además de tener las mejores líneas de diálogo. Cada vez que este actor aparece sabes que algo interesante, divertido o importante va a ocurrir. Es el verdadero motor de la historia. Y como tercera protagonista tenemos a Rachel McAdams como el amor de Tim. Como nota curiosa, esta no es su primera película interpretando a la mujer de un viajero temporal, ya que es la protagonista de “The time traveller´s wife”. Aunque me parece una buena actriz, no me creo que sea una buena decisión de casting, ya que la mayor parte del film hace de veinteañera cuando ya tiene 35 castañas. Aunque pensando en el reemplazo natural de McAdams –Amanda caradelenguado Seyfried-, me quedo de calle con la canadiense.
Y junto a estos tres tenemos a toda una serie de secundarios británicos que ponen el azúcar y la guinda a este gran reparto. Destacaría a Tom Hollander como el compañero de piso neurótico de Tim al mudarse a Londres y a Richard Cordery como el más que despistado tío de Tim.





Podría parecer que con este reparto, premisa y director estamos hablando de una comedia alocada. Pero nada más lejos de la realidad. Aunque tiene muchos momentos divertidos –aunque más de sonrisa que de risa- sobretodo envolviendo a los secundarios anteriormente citados, no debemos olvidar que estamos ante una película con un poso de amargura. Viajar en el tiempo puede parecer divertido al principio: Puedes usarlo para no perder el metro o para tratar de ligarte a Margot Robbie… Pero viajar en el tiempo también tiene sus consecuencias:  El tiempo se acumula, es decir si viajas 3 meses hacia atrás en el tiempo, esos tres meses se sumará a tu tiempo vital; o si tienes un hijo y viajas atrás en el tiempo antes del momento de su concepción al volver, tu hijo no será el mismo… Todo esto puede llegarte a producir a giro por dentro, ya que has estado durante una hora pensado lo genial que sería tener este poder, pero como si de Spiderman se tratara la película nos presenta la lección de que un gran poder conlleva una gran responsabilidad.


En definitiva, estamos ante una película para todos. Una de esas películas de manta, para ver un día de lluvia. Que no os tiren para atrás los prejuicios, si os gusta el cine de fantasía y la comedia británica con toques dramáticos, esta es una muy buena opción. 

DVD Zone: The Machine (2013) de Caradog W. James


Hará unos meses pude ver este film de ciencia ficción gracias al pago por visión, por desgracia poco en uso por estos lares, y qué queréis que os diga, iba sin mucho interés creyendo que iba a ver la versión low cost de Terminator, y acabé llevándome una sorpresa bastante agradable con el primer trabajo del director Caradog W. James: una ciencia ficción que sin mucho alarde y mucho oficio.

En los albores de la Guerra Fría entre China e Inglaterra, dos científico son recluidos en un búnker por el gobierno inglés para que les construyan el arma definitiva con la que ganar la guerra, en este caso una inteligencia artificial que sirva de prototipo para un futuro cuerpo paramilitar.

Máquinas como nosotros 

Resultará curioso, pero mientras veía la película recordé por momentos el cuento de Pinocho. Sí, el de la nariz. 
La relación que se establece entre la máquina y su creador - unos excelentes Caity Lotz (en un papel doble) y Toby Stephens, aunque la trama del último quede algo típica -, que ve en ella ya no solo como una esperanza para curar a un ser querido, si no una hija a la que intenta inculcar unos valores humanos, pero con la negativa de un gobierno obsesionado con ganar a toda costa la guerra, que quiere a la máquina lo antes posible. 
Temas tan comunes en este género, como el "¿qué nos hace humanos?" o "¿cuál es nuestro propósito en la vida?" adquieren un peso de suma importancia en este film, que acaba cuestionando hasta la validez de nuestros actos en pos de un acto, en teoría, tan noble como es el cuidar de alguien que queremos, ya sea esta una persona o una nación. 
En este caso el fin no justifica los medios, y nos es demostrado con total crueldad. El giro de guión que pega la película hacia la mitad del metraje, si bien no está mal integrado dentro de la trama, me pareció que convierte a un film que en principio resultaba original en un rudimentario producto de ciencia ficción. Pero ya os digo que por muy rudimentaria que se convierta la película, esta sigue siendo interesante y al menos no se convierte en un Splice.

Su director y guionista, Caradog W. James, a parte de tener un nombre que se presta al juego de palabras, resuelve la dirección su ópera prima de manera solvente, si bien es cierto que es más interesante su primera parte, en la que se nos narra la creación de la máquina, que luego en lo que se va convirtiendo la historia. Aún así el empleo inteligente que hace de los efectos especiales, que prime la narración al espectáculo desmesurado y una imaginación en cuanto al diseño de personajes o estructuras, hacen de este director un valor a tener en cuenta de cara a sus futuros proyectos.

En resumidas cuentas, una ciencia ficción nada al uso. Un(a) Pinocho del siglo XXII que nos plantea cuestiones aplicables a nuestro modo de vida actual, y nos deja sobre la mesa una distopía por desgracia no parece muy lejana.
Muy recomendable.

Nota: 7

Locke (2013)


Into the car


Rodada antes que "Redención" pero estrenada después. Nos llega la segunda película del británico Steven Knight, un tipo al que le gustan las historias oscuras y atípicas. Con un comienzo algo insípido, a "Locke" se le comienza a coger el gusto a la media hora de metraje aproximadamente, aunque esta sea una sensación poco duradera. Nos plantea una historia en la que el protagonista huye de los aspectos más importantes de su vida; trabajo, familia y hogar, y se nos va desvelando tan temeraria actuación mediante llamadas telefónicas llevadas a cabo desde el interior del coche. 99,9 % del film se desarrolla en el interior del coche, casi siempre con planos cortos y con líneas de diálogo entre dos personajes única y evidentemente. La versión automovilística de "Buried" (2010) y que bien le sirve como hype a la película.


Steven Knight nos enseña un buen ejercicio de dirección y conexión con el actor principal; Tom Hardy, el terrorífico Bane de la última entrega del Batman de Nolan. Hardy, aunque algo estático (normal, todo el film dentro de un coche) es totalmente creíble y crea un gran proceso de actuación para perfilar su personaje en un tipo inteligente y trabajador, que es capaz de conocer el estado de ánimo e intenciones de la gente solo cruzando una pocas palabras por teléfono con ellos y sobre todo deja claro que es un hombre atrevido y de principios.

Una baza que "Locke" despliega a su favor es la facilidad que tiene para jugar con la imaginación del espectador, ya que todas las situaciones que se dan son contadas o narradas, bien por Hardy o bien por una voz telefónica que conversa con él. Es por esto que hay que estar muy atento y seguir muy de cerca su trama para no perderse entre los, por otra parte, bien escritos diálogos. Lo negativo del largometraje llega con el acontecimiento que desencadena toda la trama, un lío de faldas, super de culebrón y super decepcionante y que hace que no logres empatizar con el protagonista de la cinta. Supongo que no es bueno cuando en la película él es el único actor ¿no os parece?


Técnicamente, resaltar la fotografía. Cálida. Con luces cruzadas y estética de neón, que ya apreciamos en el otro film de Knight, "Redención".

En resumidas cuentas, pretenciosa y por momentos aburrida, aunque echarla un ojo no estará de más. Aún así superior a "Buried" aunque infinitamente inferior a "Redención", con Jason Statham a la cabeza.

NOTA: 5 / 10

Nurse 3D (2013) de Douglas Aarnioski


Esta es una de esas pelis que desde que vi el primer teaser poster esperé. Pero cuando la sacaron, después de oír y leer algunas críticas que la ponían de vuelta y media la dejé aparcada. Pero el otro día tenía un ratillo muerto –la peli dura 80 minutos- y le di una oportunidad… Maldita la hora.
Podría definir este “Nurse 3D” como un slasher serie B para aquellos que no les gusta este tipo de pelis. Es el equivalente de la serie “The walking dead”, que parece que este hecha para los que no les gustan las pelis de zombies. Es una peli-postureo, la típica que ve una persona que nunca ha visto una peli de este estilo en condiciones para dárselas con los amigos de que ve de todo.




La película nos cuenta las andanzas de Abby, una enfermera que le gusta matar a gente que según su criterio no están llevando una vida rectamente moral. En esas estamos cuando aparece  Danni, una nueva enfermera por la que Abby se obsesionará. Es una especie de “Atracción fatal” de segunda fila.
En cuanto a la dirección, el encargado es el desconocido Douglas Aarniokoski que hasta el momento solo había destacado como director de segunda unidad en películas tan dispares como “Austin Powers”, “Tekken” o “Spy Kids”.  Este pone el piloto automático para rodar esta historia sin sustancia ninguna. Es decir, que en su faceta como director no podemos darle peros, pero como guionista se merece todos los palos que le queramos dar.
Si pasamos a hablar de  los actores, en primer lugar tenemos a Paz de la Huerta como la enfermera del título. Además, de ser una actriz que tiene pinta de oler fuerte, realiza una de las peores actuaciones que he visto en una peli de género. Como la enfermera Danni tenemos a Katrina Bowden, que salva un poco la situación cuando aparece. Y luego tenemos como secundarios a un Judd Nelson viejísimo –se parece a Jose Maria Iñigo antes de raparse la moqueta-  como el gerente del hospital y Kathleen Turner –que cada día se parece más a un nombre- como la jefa de las enfermeras.
Relativo al diseño de producción, lo primero decir que la película contó con un presupuesto de 10 millones. ¿Dónde se fue toda la pasta? En cocaína supongo, porque en efectos especiales seguro que no. Tenemos los típicos efectos especiales que te tiran cosas a la cara –como los de “Viernes 13 3D”- pero más falso que un euro de madera. Para quien quiera ver un slasher 3D moderno, y divertido, le recomiendo encarecidamente que vea “San Valentin Sangriento 3D” de Patrick Lussier.




En cuanto a la experiencia de la peli como visionado, la cosa comienza mal cuando nos damos cuenta que el director usa durante todo el metraje el manido recurso de la voz en off que nos cuenta todo lo que vamos viendo. A veces más que una voz en off parece una audio descripción para sordos. Por otro lado, el problema del film no es que sea, o no, provocativo –puede que hace 30 años, pero ahora estamos acostumbrados a esto o más- si no que se cree provocativa, creando un sentimiento de pretenciosidad que dura todo el metraje. En palabras llanas, quieren ser mierda, pero no llegan a pedo.

En resumidas cuentas, esta película no vale la pena. No hay ni suspense, ni risas, ni sorna, ni nada de nada, ni siquiera se salva Paz de la Huerta. Tan solo para completistas de Katrina Bowden…y ni eso.  

The Borderlands (2013) de Elliot Goldner

El found foutage es un género por el que últimamente siento predilección. A día de hoy es una de las pocas formas que tengo de pasar miedo entre tanta película de susto barato y guionistas y directores sin imaginación. Hay varios ejemplos de películas found foutage que me han puesto el miedo en el cuerpo: desde la primera parte de “REC”, hasta los Paranormal Activities de Oren Peli o la reciente “The Sacrement “ de Ti West. Aunque también es cierto queaA veces, tampoco pretenden dar tanto miedo, pero aun y todo son divertidas, como “Chernobil Diaries”, “Cloverfield” o “Frankenstein Army”.

Pero como todas las modas cinematográficas, todo cansa y la gran mayoría de gente con una cámara HD ve en el found foutage una forma de sacar dinero rápido sin mucha inversión. Pero se olvidan uno de los factores más importantes para que esto triunfe: el talento. Ya que al realizar una película de este estilo, hay una línea fina –muy fina de hecho- que puede separar una escena terrorífica de una escena chusca.

Por otro lado, este film también se puede catalogar bajo el epígrafe de “terror campestre”. Estas  películas ambientadas en el campo escocés  dentro del campo del terror que suelen ser buenas, o como mínimos apreciables, como“ The wicker man” (1973) , “The Descent” (2005) o “Witchfinder General” (1968). Pero este “The Borderlands” no debe estar en esta lista.


Todo comienza con un buen cartel. Ciertamente, el cartel de esta película está muy bien estudiado. Tienes en el centro del mismo un edificio amenazante que se recorta contra un cielo amenazante. Y rodeando este edificio, un montón de one-liners y críticas que ponen la película por las nubes, pero cuyos autores son completamente desconocidos –tiene pinta de amigo de, o primo de-. Este es el principal cebo para el espectador despistado, como fui yo en ese momento.




La película comienza con un corto y desconcertante –porque no te enteras de nada- prólogo donde se ve una iglesia y varios policías hablando italiano. Vamos, que se lo podían haber ahorrado.
Luego se nos presentan a dos personas que llegan a una casa de campo y comienzan a poner cámaras en paredes, muebles y hasta en ellos mismos –cosa que según vemos a posteriori carece de sentido, y no es más que un pretexto del director para usar el found foutage en esta localización-.  Aunque en teoría deben esperar al jefe del equipo –ya que resultan ser un grupo de investigación paranormal enviado por el Vaticano-  deciden por que sí ir directamente a la iglesia que han ido a investigar y donde en teoría ha ocurrido un milagro que ellos vienen a catalogar como real o ilusión.

Todo esto ocurre entre el mayor de los tedios –algo que se espera en estas cintas, pero lo que ocurre aquí es digno de siesta de pijama y orinal-, ya que hasta los 25 minutos no ocurre nada digno de mención, que es una oveja que sufre una combustión espontánea.
A partir de este momento, la película nos lleva por lugares típicos: choque de personalidades entre un creyente y escéptico, sustos de chichinabo por parte del mental del grupo, largos periodos en los que no pasa nada –pero nada es nada-, personajes que se comportan de forma extraña sin ningún motivo…

Tras algunas investigaciones que ocurren en la película –y de la que no te enteras de nada- volvemos a los lugares típicos: conversaciones sobre el pasado de los personajes que no llevan a ningún sitio. Son al found foutage lo que las ecenas de despachos en las pelis de monstruos de Asylum.
Y volvemos a otros largos momentos en los que no pasa absolutamente nada. Pero aún peor que no pase nada, es que no se vea nada. Pero literalmente, no estoy hablando de la típica cámara que de repente se pone mareante y se desenfoca. Si no, a falta de imaginación –y posiblemente medios- el director opta por quitar toda iluminación posible de la película, quedando unos cinco minutos en total durante los cuales se oye hablar a los personajes pero sin ninguna imagen en la pantalla.




Y para llegar a los 92 minutos –porque este director (llamado Elliot Goldner) los tiene tan cuadrados que no va a quedarse en los  80 minutos de “Paranormal Activity” o los 70 de “Willow Creek”,  si no que tiene que llegar al estándar de una película normal, porque el director cree que está haciendo algo serio-  el realizador nos deleita con gente haciendo cosas sin sentido: Quedarse a dormir en la iglesia aparentemente encantada, cambiar las cosas de lugar, pegar ostias como panes a chavales que pasaban por allí.  Se puede parecer al video aquel de Rajoy donde decía “los catalanes hacen cosas”. Aquí podríamos decir “los escoceses hacen cosas”.

Tras todo este tedio, parece ser que al director le llegó un watsapp de los productores “Niño, que nos quedamos sin presupuesto”. Y aquí comienza un final precipitado en la que la máxima parecía ser ahorrar hasta el último penny: Dejad los trípodes y vamos a grabar cámara en mano, nada de iluminación, salimos y si hay Luna bien y si no a oscuras.
Y todo acaba con un final abrupto que no voy a explicar, pero no por los spoilers si no porque no me enteré de nada: ¿Esta la iglesia encantada? ¿Está la gente del pueblo haciendo una engañifa? ¿Son los investigadores unos gilipollas? No tengo respuesta para estas preguntas, salvo para la última; que es un sí como Escocia de grande.
En cuanto a los actores, están fatal. No se salva ninguno. Y como he dicho antes, son todos personajes arquetipos: el creyente, el bufón, el de oscuro pasado, el jefe, el sabio… Mención especial es el personaje del experto en tecnología, es tan solo por él que estas suplicando que por favor ocurra algo –algún monstruo, fantasma o perturbado- para que haga sufrir a este idiota.


En resumidas cuentas, seguro que tienes otras cosas más agradables de hacer que ver esta basura como arrancarte las uñas de los pies con unas pinzas, ayudar en una mudanza o ver el especial de la biografía de Paquirrin en bucle. Avisados quedáis.



El fucker de Harry

Primer teaser de "Horns", de Alexandre Aja

Si ayer os traíamos el primer póster de la esperada adaptación del libro de Joe Hill (ya sabéis quién es), hoy le toca el turno al teaser donde empezamos a ver cómo se empieza a fraguar la venganza de Ig Perrish contra el mundo.

Como persona que se ha leído el libro he de decir que si bien en un principio era algo precavido ante esta adaptación, sobretodo por el retraso al que se ha visto sometido el film, ahora tras ver este avance puedo decir que Aja (AKA Mr. Remake) puede conseguir su película más redonda hasta la fecha.

En el reparto podemos encontrar en los papeles principales a Daniel Radcliffe, Juno Temple o Max Miguella.

New World (2013)


Recién salido de una investigación por corrupción, el presidente Seok, líder del mayor emporio criminal de Corea del Sur, Goldmoon, muere en un extraño accidente de coche, cuando volvía de casa de su amante. El "proceso de sucesión" al que obliga a pasar a la organización parece que será mas complicado de lo que debería, y la policía se aprovechará de ese momento de debilidad para asestar un golpe fatal a una organización, que parece invencible. Criminales y policías empezarán una sangrienta y shakesperiana guerra sucia en la que nadie esta a salvo.

Interesante propuesta surcoreana, que supone una notoria entrega al cine de gangsters. Hace tiempo que para los aficionados al cine, no es extraño ver como una cinematografía como es la coreana, ha ido "colando" cada año una película, entre las mas interesantes por ver. Son propuesta de género, sin por ello dejar de ser personales. Son atrevidas, y están impecablemente rodadas y diligentemente interpretadas. Especialmente llamativo sus logros en el campo del (cada vez mas difuso) "thriller", sin nada que envidiar al mejor Hollywood, estas películas son cine de primera.


Y precisamente ahora, cuando ya creíamos que lo habíamos visto todo, y teníamos pillados los "tics" propios de estas películas y que nada nos volvería a sorprender, de nuevo llegan para darle una nueva vuelta de tuerca al genero.

Alejándonos de los "paternalismos" en los que se podría caer al enfrentarse a un film proveniente de una industria cinematográfica "menor", New World destaca por sus propias virtudes, mas allá de lo meritorio del proyecto. Tomando como referente los clásicos del genero, Election y alguna otra película de la que omitiremos el titulo para no desvelar demasiado, New World construye algo nuevo, partiendo de algo viejo. Toma de estos referentes, y algunos casos, se atreve a llegar "mas lejos" que donde ellos llegaron.


Y aunque como decía, ya estábamos acostumbrándonos al dominio del lenguaje cinematográfico por estos asiáticos, el que lleva a cabo aquí el debutante en la dirección, Park Hoon-Jung, nos deja de piedra. Guionista de The Unjust y de Encontré al Diablo, ni mas ni menos, una de las películas surcoreanas mas alabadas de los ultimo años, y que propició el salto de su director Kim Jee-Woon a Hollywood, donde llevó a cabo la nostálgica (pero no muy lograda); El Último Desafío (en estos momentos trabaja en la adaptación del comic de Ed Brubaker Criminal, bajo el titulo de Coward, con guion del propio Brubaker. Esperemos que vuelva a mostrar su mejor faceta).

Contando en lo técnico con un equipo de lujo, como es el director de fotografía Chung Chung-Hoon, el habitual de Chan-Wook Park (el director de la maestra Oldboy), y el montador Nam Na-Young, compinche del nombrado Kim Jee-Woon, la película hace gala de un gusto exquisito en lo visual. Elegante, pero brutal, como ya viéramos antes en otras propuestas de la misma nacionalidad, como A Bittersweet Life, la influencia del polar francés es palpable en cada fotograma, a nivel de puesta en escena y de tratamiento de personajes.


Sobre los actores, apenas hay rastro de la sobreactuación a la que pueden ser tan dados los asiáticos (y todos ¿por que no?), sobresaliendo por encima de todos ellos, un grandísimo Choi Min-Sik, que interpreta al sufrido y calculador Inspector Kang. Demostrando que el talento no conoce fronteras, el desmesurado psicópata de Encontré al Diablo, nos ofrece una interpretación matizada y calculada, como si se hubiese encontrado cientos de veces en personajes como este (que no es así). No habíamos olvidado lo grande de su Oh Dae-Su en Oldboy, pero nos lo ha vuelto a recordar de todas maneras. No le desmerece para nada, el gangster circunspecto y atormentado al que da vida Lee Jung-Jae (al que vimos recientemente en la disfrutable El Gran Golpe), sobre el que recae el papel protagonista. Se le dan bien los personajes con claroscuros a este actor.

No menos reseñables la pareja de gangsters en cuya elección bascula la acción del film, como son esos trasuntos de Sonny y Fredo Corleone que representan Park Seong-Woong y Hwang Jeong-Min, respectivamente. Uno, animal y visceral. Toma lo que es suyo e inspira temor a propios y extraños. Otro, mas dado a las fiestas y las chanzas, al que nadie acaba de ver como sucesor para tan responsable puesto. Sin embargo, ambos son personajes mas complejos de lo que me atrevo a desvelar, y se revelarán como seres con "aristas", capaces de momentos inspirados y furia ciega. Sorprende el cambio especialmente en Hwang Jeong-Min, el férreo y trágico policía de The Unjust.


La cinta adolece de algún tramo complicado de seguir debido a su complejidad (como ya pasaba con alguno de los guiones anteriores de Park Hoon-Jung, como en The Unjust), haciendo ademas peligrar la veracidad del asunto en algún momento, pero acaba siendo una falsa alarma, ya que la película en ningún momento llega a aburrir ni a parecer poco realista a lo largo de sus 134 minutos de metraje.

Prejuicios (negativos o positivos) aparte, solo queda una recomendable muestra del cine de gangsters/mafias, construida sobre la mejor herencia del género, y que es todo un soplo de aire fresco para la cartelera. Para curiosos por filmografías foráneas y amantes del buen cine. No se la pierdan.

Ghost Shark (2013)


El horror en forma de tiburón...o de película.

La amiga Miriamelle se suma a la fiesta, y nos narra paso a paso la tremebunda experiencia que ha supuesto el visionado del típico subproducto televisivo con monstruo; una mierda enorme que haría sonrojar incluso a "Sharknado" que hará las delicias - o le hará salir los ojos de las cuencas - de todo fan del Scifi que se precie. Me refiero a la película de Griff Furst "Ghost Shark".

La película comienza con un padre y una hija pescando algún tipo de merluza, o pezón pesado para un concurso, momento en el cual aparece el tiburón (que necesita una ortodoncia urgente vista pobre dentadura) y les jode el pezonaco a bocados y escupiéndoles la raspa encima (¡!) entonces le comienzan a disparar con un revolver. El pobre bicho ante tal agresión les va a atacar, pero se queda delante del barco como tonto, mientras lo asaetan con una ballesta, le echan salsa picante (no sé con qué fin) y luego le meten una granada en la boca, explota, pero... ¡Ojo, está entero! y se aleja moribundo hacia una cueva que, curiosamente, queda allí delante, entra, luces por aquí, luces por allá, efectos de chichinavo y sale convertido en...El tiburón fantasma. Como la metamorfosis ectoplasmática parece no haber aplacado sus ansias asesinas, vuelve al lugar donde fue asesinado, se come a la hija, luego al padre y a posteriori sale de un cubo de agua (sí, un cubo de agua) y se merienda al padre de las que serán las protagonistas. 
Luego y como tiende a ser lo clásico hay un ataque en la playa y el "cherif" no les hace caso, porque claro, los fantasmas no existen, menos aún de animales y menos aún de un tiburón que necesita ortodoncia y es tuerto. El viejo farero sabe algo, pero no suelta prenda, es un viejo agriado aparte de un actor venido a menos. A pesar de las muertes, el hijo del alcalde monta fiesta (como no) en su piscina, efectivamente, nuevo ataque, pero este muy fardón, en el momento que un tío salta a la piscina ahí que sale disparado desde el agua el tiburón pegando un brinco y desapareciendo en el infinito cielo, la cabeza del chico cae y, curiosamente se ensarta en un botellín de cerveza, el tiburón es grabado zampándoselo, el amigo con sobrepeso es usado de postre... A esto le siguen una serie de ataques de lo más variopintos, siendo uno de ellos las típicas universitarias que limpian coches en bikini, es que donde hay agua, el colega sale y claro tiene un hambre... ¿Pero cómo coño puede tener hambre un FANTASMA? Ataca a una de las protagonistas en la bañera, llega a tenerla COMPLETAMENTE en la boca ¡¡Y sólo tiene una herida en la rodilla derecha!! 
Deciden ir al museo, porque seguro que allí averiguan cosas del faro que no aparecen en Google (que lo busque en Bing) y el tipo les cuenta una historia que si en la cueva (sí, la de los Cazafantasmas de antes) muere algo o alguien, volverá a la vida, pero arrasando con todo lo que pille, la culpa de los españoles, que hicieron pupa a los nativos y ale, estos se vengaron desde el por acá (ni más allá hay), el archivero dice que el farero ha birlado un grimorio que justo tiene que ver con la cueva, y que (obviamente) es la solución contra el tiburón ortodóncico tuerto, salta la alarma de incendios, el archivero es atacado, brazo fuera y muerto, luego se pimpla de regalo medio hijo del alcalde. Por fin cunde el pánico, hay cientos de llamadas al sheriff acorde el tiburón se está llenado la panza sin fondo a base de pueblerinos, pero lo fuerte llega cuando un ayudante del alcalde bebe agua... ¡Y el tiburón le sale por dentro!
Lo que queda de chicos, las dos hermanas y el enamorado de la mayor, van a buscar al farero, allí el tipo les cuenta que su mujer sigue viva porque él la mató (creo que hay dos cosas que no van en esa frase), entonces la protagonista manda al amigo que lleve a la hermana a casa mientras ella va a la cueva. Ya allí, ve el cadáver del tiburón, y junto al viejo agrio lee en el grimorio que con el arma que le mató, hecha talismán, se le mata del todo, aunque habría que aclarar que fue la granada quien le mató, pero bueno, el argumento ya se sostiene poco así que no se va a joder, ¿no? Total, llaman al tiburón pitufoso (que se ha vuelto como si a un pitufo le metes una bombilla alógena por el culo) y cuando va a comerse a la chica, ale, pues lo pincha y se fragmenta explotando, pero no, no se acaba aquí, porque el virote no fue el arma que lo mató y le pega bocado al viejo en la mano al viejales agriado. vuelven al faro, discuten sobre derribar la cueva, pero el viejo se niega y los encierra, se pira, la hermana hable con un cinturón el cerrojo (aprendido de Youtube, esto tengo que ver si es cierto), van a por dinamita y van hacia la cueva, comienza a llover según tienen las cargas, el tiburón "comienza a lloverles", se come al viejo (menudo ardor de estómago con el agrio ese), intenta comerse al colega y a la hermana de la prota mientras esta va a la cueva a prender fuego, porque la mecha se ha apagado cosa de la lluvia, mientras está dentro, la golpea y pierde la conciencia, pero se despierta justo para salir cagando leches de la cueva que se va a petar. Al reventar la mina, la prota sale despedida al mar, donde el tiburón fantasma le espera para merendársela, pero justo cuando va a darle con esos dientes más feos que el hijo de Gollum y la duquesa de alba, la cueva colapsa del todo y el tiburón desaparece. se meten los tres chicos al agua. 
Fin.


Vamos que tiene un argumento más flojo que el peo una mosca, es como si juntásemos "Tiburón 4: la venganza" con la serie aquella de las sirenas australianas ("H2O"), pero con unos efectos especiales hechos a partir del Paint, unos gags tan predecibles como cutres... y por alguna extraña razón el tiburón no puede entrar en un puesto de pesca, vamos como si fuera terreno sagrado o algo.
Tremebunda de principio a fin.


Redención (2013)



Hace unos cuantos meses mantenía una charla animada (gracias, cerveza) con unos amigos tras ver "Parker", protagonizada por Jason Statham. Algunos decían que su carrera había llegado a un punto de no retorno y se había estancado en la serie B de acción como previamente cayeron Van Damme o Sly, otros que alegaban que seguía siendo un actor de clase A que todavía sigue buscando su camino, y que, para ganarse el sustento/masión de tres pisos, decidía aparecer también  producciones divertidas pero de calidad dudosa. En mi caso defendía la teoría que existen dos películas de Statham, las que va con traje y las que va con chándal, y todas son al menos entretenidas. La charla finalizó cuando alguien sacó a colación su aparición en "Collateral", pero la cosa quedó en tablas.
Ahora nos llega esta película, en la que por fin (sí) la crítica reconoce la actuación del actor de "Transporter", y de paso ofrecernos una historia de redención y culpa...y en la que el actor lleva tanto chándal como traje.


Promesas del Norte.

Joey Jones es un ex soldado de las Fuerzas Especiales, vagabundo y atormentado por un trágico pasado. Harto de las injusticias que ve constantemente a su alrededor, los acontecimientos le llevan a convertirle en un “ángel vengador”. Pronto verá como su pasado se mezcla con su turbio presente y cómo sus intentos de forjar una nueva vida comienzan a desmontarse.

El director y guionista Steven Knight crea un guión simple y directo en el que no abundan las tramas secundarias y subtramas de relleno, y si las hay están directamente ligadas al personaje principal, parecido a las películas que se facturaban en los setenta y ochenta, cosa que hace que la película se nos pase como un suspiro al no darnos ni un segundo de descanso. Las calles de Londres se nos muestran como un cruel microuniverso de contrastes, en el que la clase alta viven en un lujo excesivo - el piso donde se cuela el protagonista - y la clase baja sobrevive como puede entre cajas de cartón y con la droga como bien más preciado. Es un retrato quizás demasiado cargado de estereotipos, como el destino de la compañera de Statham, pero que consigue impactar. Lástima que el final no se encuentre al mismo nivel del resto de la película, en parte porque resulta una conclusión demasiado apresurada y con demasiados cavos abiertos, pero deja eso sí unos buenos apuntes sobre la mesa, como su charla final con la monja, en la que se acaba por explicar 
el motivo por el que el protagonista está así de roto.

El pasado flota en el alcohol.

En el apartado actoral nos encontramos con un Statham alejado en parte de su sempiterno hombre de acción camorrero, aunque no demasiado (aquí hay hostias de las dolorosas), mostrándonos que también sabe actuar. Los que le hayáis visto en sus colaboraciones con Guy Ritchie o la magnífica "El robo del siglo", la cual os recomiendo muy mucho,  sabréis que el actor de "Italian Job" no es el típico actor limitado al rol de parte cuellos, como lo es por ejemplo su compañero mercenario Chuck Norris, y que en verdad el tipo, pese a sus limitaciones, si se pone al tema consigue un trabajo digno de elogio, como es en este caso. La evolución que muestra con el paso de las escenas, de primeras un hombre borracho y pastoso para luego ser la máquina de destrucción masiva que todos conocemos, es simple pero resulta efectiva ya que no se queda en el simple en un simple "y ya estoy bien" que nos plantan en ocasiones muchas películas, si no que gradualmente vemos que dicha evolución crea unos conflictos internos con su pasado. Del resto de actores destacar la labor de Agata Buzek, una actriz polaca que no conocía, y que aquí hace una interpretación que sirve de contrapunto perfecto a Statham - el momento cuando cuenta por qué tomó los votos -, eso sí, todavía no me creo ciertos actos que comete, pero bueno, licencias.
 
En resumidas cuentas, con sus altos y sus bajos, esta atípica película de Statham se aleja de la acción si cuartel y nos muestra como un hombre torturado debe vivir con la culpa. Muy recomendable.

Nota: 7

TRASH-O-RAMA SESSIONS VOL.1: EBOLA SYNDROME Y LA FURIA DE SATÁN


Estamos encantados con esta nueva propuesta de los colegas de cinecutre. La gente que se queja de que no hay suficientes eventos relacionados con el cine diferente no deberían pasar por alto la oportunidad de ver estas dos películas que se proyectarán quizás por primera y última vez en una pantalla de cine que esté cerca de ti.

La web de cine y humor Cinecutre.com, responsable del festival Cutre Con, se ha aliado con la distribuidora Trash-O-Rama, especializada en cine basura, para proyectar en Madrid las películas asiáticas más cafres y demenciales en las “Trash-O-Rama Sessions”, cuya primera entrega tendrá lugar el 7 de junio en la sala de cine Artistic Metropol (C/ De las Cigarreras, 6).

Las “Trash-O-Rama Sessions” son sesiones dobles donde los asistentes podrán reír, gritar y escandalizarse con películas verdaderamente grotescas, en una explosión de bizarrismo en pantalla grande y al más puro estilo Cutre Con, donde se interactuará con el estupefacto público de distintas maneras.

ES LA NUEVA PROPUESTA DE CINECUTRE.COM -CREADORES DE CUTRE CON,
EL FESTIVAL DE CINE CUTRE DE MADRID- EN COLABORACIÓN CON LA DISTRIBUIDORA TRASH-O-RAMA.

A partir de las 18:00 horas y por sólo 6 euros, la primera entrega de este alocado evento incluirá dos títulos tan sugerentes como “Ebola Syndrome”, una de las cintas más ofensivas y desagradables del cine hongkonés, y “La Furia de Satán”,  un verdadero despropósito de origen filipino, que incluye algunos de los peores y más desternillantes efectos especiales de la historia.

LA SALA DE CINE ARTISTIC METROPOL ACOGERÁ EL 7 DE JUNIO LA PRIMERA ENTREGA
DE “TRASH-O-RAMA SESSIONS”, CON LA PROYECCIÓN DE DOS DE LAS
PELÍCULAS MÁS LOCAS Y BIZARRAS JAMÁS RODADAS EN ASIA.

Ambas películas, recomendadas sólo para adultos, se proyectarán en versión original con subtítulos en castellano, en una experiencia cinematográfica de lo más gamberra, cuyas entradas ya pueden adquirirse en la taquilla del cine Artistic Metropol o en la web Ticketea.com, a través de este enlace.

“EBOLA SYNDROME” (2013)
 ¡ABSOLUTAMENTE OFENSIVA!


Los amantes de las emociones fuertes están de enhorabuena. “Ebola Syndrome”, una de las películas más desagradables, grotescas y ofensivas de la historia del cine, se proyectará en su versión prohibida y sin censura. Una oda al mal gusto tan escandalosa y pasada de vueltas, que al atónito espectador no le queda más remedio que carcajearse y disfrutar ante tanta demencia desatada en 90 minutos inolvidables. Su delirante y memorable trama narra las desventuras de un auténtico despojo humano empeñado en expandir el ébola cometiendo todo tipo de atrocidades y depravaciones, haciendo gala de la más baja catadura moral. Divertidísma y vomitiva a partes iguales.

“LA FURIA DE SATÁN” (1983)
 OBRA MAESTRA DE LA PSICOTRONÍA FILIPINA


El cine se inventó para que existieran cosas como “La Furia de Satán”, perfecto ejemplo de que la psicotronía filipina no conoce límites. Una de esas películas “tan malas que son buenas” y a las que ya están acostumbrados los asistentes al festival Cutre Con. Protagonizada por un héroe bigotudo absolutamente ridículo, en esta inenarrable chapuza descubriremos que Satanás viste de carnaval todo el año y nos sangrarán las retinas con algunos de los peores efectos especiales de la historia del cine, en una descacharrante aventura con mujeres serpiente, rayos mágicos que salen de los codos, desnudos gratuitos y muchos, muchos bigotes.

Durante el evento se pondrán a la venta copias en DVD de las dos películas que se proyectarán, a un precio aún por determinar.



Festival Nocturna: Chimères (2013)



No conozco mucho cine suizo...demonios, ni sabía que estos come chocolates facturaban películas, pero he de reconocer que esta "Chiméres" me ha descubierto que, además de saber hacerlas, los suizos saben como hacer una buena película de terror.
Vampiros...pero no.


Estando de vacaciones en Rumania, Alexandre es atropellado por un coche. Para salvarlo, en el hospital le hacen una transfusión de sangre. De vuelta en su hogar, siente que algo ha cambiad dentro de él, como si algo contaminado corriese por sus venas.

Olivier Beguin compone una película que durante su primera hora nos muestra un terror intimista, más centrado en la relación entre los dos protagonistas, con el amor que se profesan como tema de fondo, manteniéndose alejado de los artificios que suele darnos el género, aunque salpicándola de momentos impactantes, como son todas las escenas en las que el protagonista se mira al espejo o la del accidente. Otro acierto es que el director mantiene la incógnita sobre la afección, haciéndonos creer que lo que vemos la mayoría del tiempo se encuentra en la mente del protagonista y en realidad no hay vampiro que valga.
El tratamiento de la fotografía, la música, los decorados, todo nos retrotrae a una París oscura, carente de la luminosidad que siempre nos venden las empresas turísticas, y por la que transitan el dúo protagonista (magníficos ambos) en búsqueda de presas. Uno porque no tiene otra opción y la otra por amor.

Uno de los principales fallos de esta película, es cuando a la mitad del metraje el guión se aleja de este tono intimista con un halo de misterio, pasando a convertirse en un emulo del videojuego Final Fight cuando el protagonista ya convertido en vampiro se enfrenta contra hordas de enemigos, y hombre, eso está bien si quieres hacer una película de acción, pero aquí como que no cuaja. Si bien esas escenas en las que vemos al protagonista "alimentarse" están bien rodadas y son espectaculares, nos terminan por sacar de la película al ya mostrarnos una típica película de vampiros modernos, y no la película que esperábamos ver sobre una pareja que se enfrentan juntos a lo imposible.

Antes de acabar, prestad atención a la cantidad de cameos tanto de actores como de directores de los setenta que ha conseguido reunir Beguin ante la cámara. Impagable.

En resumidas cuentas,
pese a sus salidas de tono, bajones de ritmo y un final que no acaba de casar con el aire intimista del que hacía gala al principio, sí acaba por resultar una 
entretenida producción sobre ¿vampiros?, gracias sobretodo a la labor de su dúo protagonista.
Nota: 6

Nuevo trailer infernal

Tras un trailer y un cartel prometedores, pero que no desvelaban nada (ni falta que hacia, de eso van los "teaser"), le ha llegado el turno a un nuevo trailer, mas extendido, y para todos los públicos (¡!) de The Green Inferno.

Eli Roth, si bien no es el maestro del terror nos quiere vender la campaña publicitaria (normal que quieran hacerlo. Otra cosa es que "cuele" entre los mas veteranos), da un nuevo paso hacia delante en su carrera para convertirse en un director capaz y conocedor del genero, con este homenaje al cine mas "canibalesco", como ya nos explicaba en su día Misingno en su crítica desde el Fesitval de Sitges, donde se presentó.

Se esta ganando una posición con la que puede permitirse un paseo por los limites mas "tortuosos" del cine, y volver con una película bien rodada sobre el tema. Y nosotros agradecemos este viaje. Por verdoso e infernal que sea.

Savaged (2013)


Zoe, una joven y guapa sordomuda, cruza el país para reunirse con su novio para empezar a vivir juntos. El viaje trascurre sin ningún problema; saca fotos y conduce encantada su recién heredado Pontiac GTO de 1968. Cuando una figura invade la carretera. Asistirá prácticamente impotente al linchamiento de dos indios y será secuestrada por los asesinos. Su calvario acaba de empezar.

Una barrabasada que incluye mutilaciones, violaciones y posesiones sobrenaturales varias, Savaged es un disfrutable vehículo (como el Pontiac de la película) para el aficionado del género. Este subvertido Rape & Revenge (& Revenge, pues son dos las "venganzas" que se dan en esta película) es la opera prima del director (aquí también en labores de guionista y montador) Michael S. Ojeda, cuyo trabajo mas notorio hasta la fecha son las recreaciones de combates que tenían lugar en el inefable programa de la desparecida Xplora; El Guerrero Más Letal. Y esto probablemente sea de lo peor de la cinta.


Empezaremos por lo malo, que hay que empezar por algo, y es precisamente eso. Ojeda no parece capaz de desembarazarse de muchos de los recursos que requería el terrible show televisivo, o bien cree que son los idóneos para la película. Cuesta decir si son señas de identidad del autor, con solo esta película en su haber, y resultaría inexacto y pretencioso por mi parte. Digamos simplemente que abundan los "ralentís" gratuitos, al mas puro estilo de enfatizar lo que se esta viendo y resaltar su importancia y/o excelencia (como si el espectador no fuese capaz de captar o discernir por si mismo lo bueno o lo importante de lo que esta pasando ante sus ojos) y hay un uso poco afortunado de los efectos especiales mas chuscos (en un relato que tiene sus mejores momentos y su autentica personalidad en la casquería mas visceral), con aparición de almas verdosas (como bien nos viene enseñando el cine; desde Los Cazafantasmas a Agárrame Esos Fantasmas) y demás despropósitos, que llegan a echar por tierra alguna secuencia entera.

Pero como he dicho antes, esto es lo malo, o lo peor, ya que el resto de la película si se mantiene entre los estándares del género. Si bien la interpretación de la bella Amanda Adriane es mas convincente como sordomuda (aunque hay un par de momentos en la peli en que esto se olvida. En serio.), que como rabioso avatar vengador, resulta adecuada la mayor parte del metraje, replicada mas capazmente (igual por lo sencillo y unidimensional que eran sus personajes) por el respaldo masculino del film, especialmente por el gigantón Tom Ardavany, lo mas parecido a un personaje con desarrollo y evolución que se pasea por la película.


Una fotografía que anda entre quemada y granulada, y unos paisajes desérticos desolados, confieren al film un estilo de lo mas setentero que le sienta muy bien. Y una partitura musical no muy memorable y al servicio de las imágenes, pero bastante cumplidora cuando se requiere de ella (como en el momento de la "fuga" de Zoe, a base de sangre y mugre, al mas puro estilo de La Novia abriéndose paso a puñetazos en un féretro).

Pero como he dicho antes, donde realmente el apartado artístico echa el resto, es en los FX mas gores. El repertorio de destripamientos y decapitaciones que arrastra Zoe a su paso tras intentar ser resucitada por un chaman indio, y que por error, su cuerpo sea invadido por un sanguinario espíritu vengador apache (a mi me parece un error de novato, pero a saber), es sangriento, pringoso y retorcido como poco. Mientras el prototipo de Sheriff incompetente propio del género, hace sus pesquisas, Zoe acribillará a flechazos a sus agresores (de los mejores momentos de la película), les cazará a golpe de tomahawk y empalará a un par con lanzas y estacas. Y prácticamente destripará a todos ellos. Una delicia vamos.


Así que si con tal de ver semejantes perversiones, se es capaz de ignorar o ser paciente con una forma abrupta y torpe, no lo dudes, Savaged es tu película. En el Festival Nocturna aplaudíamos cada diez minutos.

P.D: Como he dicho, formaba parte de las películas proyectadas el miércoles en el Festival Nocturna, así que antes nos "obsequiaron" con el cortometraje 24 Horas con Lucia. Realizado por estudiantes de cine, se trata de una divertida revisión en clave de humor de las películas de Posesiones. Muy recomendable.