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Apocalipsis: Una mirada desalentadora a un futuro desalentador.



"Y cuando él hubo abierto el cuarto sello oí la voz de la cuarta bestia decir: "ven a ver". Y yo miré. Y contemplé un caballo pálido. Y el nombre de su jinete era La Muerte. Y el infierno le seguía."

El Apocalipsis.
La fecha que señala la Biblia como el final de los tiempos. El final de todo y de todos sobre la faz de la tierra. Ciertamente un argumento la mar de interesante para pasar desapercibido por el mundo del arte. Pintores, poetas, compositores, músicos, escultores, escritores y, por supuesto, cineastas han intentado dar su visión de nuestro final de las formas más enrevesadas e ingeniosas que la mente humana puede concebir. Si en un principio se creía que Diox sería la mano que nos ejecutaría, con el paso del tiempo le hemos ido usurpando el puesto como causa y desgracia principal de nuestro fin.
No le faltaba razón a Nietzsche.
Pero como esto intenta hablar de cine, o eso trataba la última vez que vine por aquí, hoy quiero hacer mi particular repaso por las que son para mí las películas y los directores que mejor han sabido retratar en el celuloide el fin de nuestros días.
Sin más que añadir, que de comienzo...el fin.

(Aviso ya que algunas hablan de partes importantes de la trama, además de sus finales, así que ya sabéis qué hacer cuándo veáis una que no os suena)


Metrópolis de Fritz Lang (1927)

¿Qué puedo decir que no se haya dicho ya de una de las obras maestras de la cinematografía?
Nada, por su puesto, ni que decir que su visionado está más que obligado para todo amante del cine que se precie, y más para todo aquél que se considere un verdadero amante de la ciencia ficción.
Os estaréis preguntando, ¿por qué añadirla a la lista de Apocalipsis cuando es claramente que no es un mundo que haya acabado?
Bueno, que quede claro que en un principio mi idea era el iniciar la lista con otra cinta más acorde, pero finalmente me pare ha pensarlo detenidamente y he caído en la cuenta de que claramente, aunque no se vean las bombas, la destrucción y las masacres de masas en pro de unos edificios esplendorosos y la sempiterna batalla de clases, lo que hay de destrucción y de caos lo encontramos en el terreno personal: La degradación (destrucción) total y absoluta de lo que es el ser humano a todos los niveles.
Cierto que la película acaba con un mensaje abierto a la esperanza, donde al final hay una reacción social para acabar con todo esto y empezar a construir desde cero, pero eso no deja de ser motivo para que Metrópolis sea una de las cintas con el mensaje más desesperanzado que veremos por aquí.

Cuando los mundos chocan de Rudolph Maté (1951)

Una increíble antes y ahora cinta de ciencia ficción, en la cual se nos narra cómo un planeta está a punto de chocar contra la tierra (¿alguien ha dicho Melacolía de Von Trier?) y los esfuerzos de los hombres para al menos poder salvar a parte de la humanidad mediante unos cohetes lanzados al espacio en busca de otro lugar en el que vivir. Pese a que su guión en ocasiones peque de ingenuo en según qué temas (recordemos que eran otros tiempos), la tensión y el pánico social ante el inminente choque se hacen palpables según  va avanzando el metraje, y en donde ya jugaba con el tema de la destrucción del planeta y la colonización de otros. No inventaste nada Nolan. Sus efectos especiales - merecedores de un premio Oscar en el año cincuenta y uno - pese a estar ya un tanto desfasados, siguen funcionando a día de hoy.
Guardo un especial recuerdo de esta cinta, puesto que fue una de las cintas de VHS que más alquilaba en el videoclub junto a El ejército de las tinieblas,  que casualmente también contenía ciertos toques apocalipticos cómo supe años más tarde.

El planeta de los simios de Franklin J. Schaffner (1968)
.
Imaginad que volvéis a ser un chaval de diez años, os encontráis mirando embobado el televisor, en donde ponen la típica película de tarde que puedes encontrar en una cadena autonómica. El planeta de los Simios. Es la primera vez que la veis entera (antes solamente habíais visto fragmentos), así que os dejáis sorprender por este planeta hostil, habitado por monos...digo...simios que cazan a unos primitivos seres humanos y hacen pasar las de Caín al astronauta interpretado por Charlton Heston, el cual se encuentra igual o más desconcertado que tú ante tal situación que haría las delicias de Darwin. Finalmente respiráis aliviados. Nuestro héroe ha logrado escapar del maquiavélico Doctor Zaius y de los suyos adentrándose en la Zona Prohibida. Va por la orilla de la playa junto a la gachí que se ha ligado. Parece que habrá un final feliz...esperad...¿qué eso que asoma tras esa loma? ...¡¡YO OS MALDIGO!!


2024: Apocalipsis nuclear (Un muchacho y su perro o Psycho Boy and His Killer Dog) de L.Q. Jones (1975)

Olvidada cinta post-apocaliptica en la que un imberbe Don Johnson acompañado de su perro, con el cual se comunica telepáticamente - o puede que no y solamente sea un chalado -, atraviesan una tierra desértica en busca de mujeres para...sí, eso mismo, jugar a los médicos, mientras van sorteando los peligros que van saliendo a su paso (bandidos, el hambre/sed, la escasez de medios, etc).
Loca a más no poder, tanto que podía tomarse como una comedia involuntaria, pero contiene una lectura la mar de interesante sobre el ser humano, además, pese a su bajo presupuesto, ha aprovechamiento de medios ejemplar, hacen de este film un placer más que digno mientras dure su visionado.

Zombi de George A Romero (1978)

Ya tardaba en aparecer el genio que reinventó (que no creó) al zombi que hoy conocemos en nuestros días. El bueno de George dio en el año sesenta y ocho el pistoletazo de salida a esta ahora saga con la insuperable La noche de los muertos vivientes, donde empezábamos a ver los primeros coletazos de esta pandemia de origen desconocido, pero no fue hasta esta entrega cuando de verdad veíamos la verdadera magnitud del asunto. Hombres matando tanto a zombis como a otros hombres, la avaricia sobre todas las cosas o la falta de escrúpulos de ciertos personajes nos dejan ver que nosotros, y no los zombis, somo los auténticos causantes de nuestra desgracia.
Mención especial para la partitura compuesta por director Dario Argento y el grupo The Goblins que consigue su objetivo de aumentar la tensión a cada acorde (y de ser pegadiza a más no poder).
Fue "víctima" de un remake en el año dos mil cuatro (El amanecer de los muertos de Zach Snyder), el cual considero superior en algunos aspectos, pero que no incluyo aquí porque Romero siempre será Mucho Romero.

Mad Max 2, el guerrero de la carretera de George Miller (1981)

No podía faltar a la cita la segunda mejor cinta parida en las Antípodas (la segunda sería Napoleón, el perrito aventurero), en la que el director George Miller amplia, y de paso destruye hasta los cimientos, el mundo mostrado en la primera entrega, convirtiendo de paso en una figura cuasi mesiánica al letal Max (Mel Gibson), que en esta ocasión ejercía de salvador de una caravana que transporta un preciado tanque de gasolina.
Su tercera parte (Mad Max 3: Más allá de la cúpula del trueno) ahonda aún más en este futuro postapocalíptico, si bien peca de ser mucho más infantil e irregular que las dos anteriores, por contra encontramos a una Tina Turner desatada en el rol de villana.
Próximamente tendremos una ¿secuela? ¿remake? ¿mezcla? que dirige el propio Miller y con Tom Hardy relevando a Gibson en el papel del "Loco" Max. Si dará el tipo o no, no lo sabremos hasta Mayo del año que viene, pero podéis deleitaros con el tráiler en el que vemos a la bella Charlize Theron en modo Valkiria de la carretera. No me la perderé.

Blade Runner de Ridley Scott (1982)

Dirigida por Sir. Scott, y basada en la novela de Philip K Dick, al igual que ocurría con la primera película del listado, nuestra destrucción nos llegará en el terreno personal y social, aunque podemos entrever tras las nieblas que no dejan ver el sol que a la Tierra también tiene las horas contadas. En este futuro no tan futuro, el ser humano ha perdido completamente el norte hasta finalmente convertirse unas máquinas carentes de sentimientos, y son las propias máquinas las que empiezan a comportarse como verdaderos humanos, como recipientes/recordatorios de las emociones que en este futuro hemos olvidado. Aún resulta desalentador ver las gráficas muertes de los Replicantes, amén de su por mítico discurso final, y que acaba siendo el epitafio en la tumba de la humanidad.
Un servidor ha perdido la cuenta de las veces que se ha hecho un remontaje de la cinta, añadiendo unicornios, origamis y voces en off para desconcierto generalizado del personal, así que yo me quedaría con la versión que aún conservo en VHS puesto que carece de tales añadidos, haciendo que imagines lo que quieras imaginarte.
Al fin de cuentas, ¿es un sueño, no?

Creepozoides de David DeCoteau (1987)

Un grupo de desertores de la III Guerra Mundial se ocultan en un aparentemente vacío búnker científico...el resto os lo podéis imaginar.
A ver, sumarle a un director de la serie Z más casposa (reconvertido a director de porno gay soft), un guión que plagia homenajea de pe a pa al clásico Alien: El octavo pasajero, la scream queen Linnea Quigley y un bebé teleñeco mutante salido de una de las pesadillas de David Cronenberg. El resultado es Creepozoides, una de las exploits más cutremente divertidas nacidas en los ochenta.
Su ¿batalla? final te hará llorar a moco tendido...pero de la risa.

Apocalipsis de Mick Garris (1994)

Stephen King se suma a la fiesta de la destrucción de la madre Tierra y lo hace como él sabe: con páginas y páginas y páginas, hasta alcanzar unas 1536, en el que su libro más largo hasta la fecha, y que no he logrado terminar de leer por más que lo haya empezado unas cuatro veces. Por favor, no me maten.
La miniserie (que no película) dirigida por el amiguete de King, Mick Garris, que como buena miniserie dura la friolera de seis horas diez en su versión integra, pero al menos sus primeras tres horas se hacen entretenidas gracias a lo gráfico que es Garris en la descripción de la pandemia (y sus efectos) que asola el planeta y sobretodo en la construcción de sus personajes principales. Es una lástima que finalmente acabe resultando un tanto fallido dado que el resto no acaba resultando igual de entretenido debido sobretodo a esas bajadas de ritmo tan habituales para los conocedores de la obra de King, en donde el autor de Maine parece entrar en un bucle temático del que le cuesta salir hasta bien avanzada la historia, la que remata con un final en Las Vegas con el que cuesta no reírse.
Eso sí, tras su finalización Randall Flag pasará a formar parte de la lista de los cabrones más carismáticos que hayáis conocido. Os lo aseguro.

Guía del autoestopista galáctico de Garth Jennings (2005)

Que una película comience directamente con la destrucción de la Tierra por parte de unos aliens aficionados a la mala poesía, supone para mí una declaración de intenciones, y más cuando te enteras de que esta es destruida para la construcción de una autopista integaláctica. ¡PQC!
Basada libremente en la novela de Douglas Adams, en esta comedia de aventuras descubrirás que lo más necesario tras el Fin del Mundo es una toalla...¡42!

3 días de F Javier Gutiérrez (2008)

La única película española de la lista es una excelente rara avis dentro del panorama cinematográfico patrio. En ella, se nos narra la historia de un pequeño pueblo perdido de la Andalucía más desértica, que ve como en menos de setenta y dos horas un meteorito impactará sobre la Tierra barriendo todo a su paso.
Interpretada por dos grandes como Víctor Clavijo y Eduard Fernández, aquí desde el principio vemos que no hay escapatoria posible, no hay alguien (Bruce Willis por ejemplo) que en el último momento salve a la tierra del desastre...vamos, que no hay esperanza. Esto se traduce en que cada persona que pulula por este pueblo intente en última instancia hacer lo mejor o lo peor para así al menos poder morir en paz.
Recomiendo que tras acabar el visionado de esta veáis a continuación la simpática Buscando un amigo para el fin del mundo (Lorene Scafaria, 2012) en dónde se nos ofrece una perspectiva más "optmista" de esta misma historia aunque en el fondo igual de amarga.

 WALL•E de Andrew Stanton (2008)

¿Una de dibujos por aquí, que encima salen robotitos? Pues sí. Pese a todo lo que he podido oír sobre esta película, prensa "seria" mediante, considero a Wall-E una de las mejores cintas de ciencia ficción actual realizadas; ya sea por una animación increíble, unos maravillosos personajes y una historia tan trabajada y precisa que apenas se ven fisuras, nos da además un mensaje claro y conciso sobre los efectos a corto plazo de seguir haciendo el cafre con el medio ambiente.
Como dije en el apartado dedicado a Blade Runner son estos robots los herederos directos de las emociones que hemos olvidado, tales como la lealtad, el humor, la ira o el amor, y que finalmente son los encargados de nuestra salvación tras nuestra propia destrucción.
Para el recuerdo nos quedarán su primera mitad casi muda, el momento en el que el robotito de marras pasa la mano por la estela de un planeta o la batalla contra el verdadero titiritero de los humanos supervivientes, pero aviso, que tanta monería no os deje ver el monte:
En el futuro habremos contaminado la Tierra hasta el punto de hacerla inhabitable, y seremos bolas de sebo que hacen vida a través de una pantalla de ord...¡eh!...espera un momento...

2012 de Roland Emmerich (2009)

El alemán que vio arder el mundo y le gustó, Roland Emmerich, se sumó al carro de las películas nacidas a rebufo de la profecía Maya que aseguraba el fin del mundo (de ciclo en realidad), y saciando de paso sus ansias destructivas durante unos años - recordemos que a esta le siguió la película de época Anonymous, muy recomendable por cierto -, supongo que dada la gran cantidad pirotécnica desplegada para la ocasión. Aquí poco importa que tengamos actores de la talla de John Cusack, Thandie Newton, Danny Glover, Chiwetel Ejiofor o Woody Harrelson, no, aquí lo que prima es destrozar (Los Ángeles), destrozar (La Casa Blanca con un portaaviones), destrozar (el parque de Yellowstone) y destrozar (pijas a lo Paris Hilton), y si queda alguna piedra, destrozarla hasta que no quede rastro alguno.
Argumentalmente no dará ni para rellenar una servilleta, pero reconozco que entretenida lo es y mucho.

Vanishing on 7th Street de Brad Anderson (2010)

Hasta ahora sólo había puesto en esta lista películas buenas, películas que en mayor o en menor medida nunca calificaríais de malas...pues bien, ahora le toca el turno a la película que me hizo salir de la sala durante su proyección en cierto festival de cine internacional.
Brad Anderson, al que yo tenía por un buen director gracias las correctas Sesión 9, The machinist o Transsiberian, ofrece aquí su cara más sosa y aburrida con este film, el cual he de admitir que posee un principio interesante en donde se nos muestra esa "oscuridad" creciente, ese Fin de todo que va engullendo a todo ser que se cruza por su camino. Y ya. Pasados esos veinte minutos nos encontramos ante la nadería absoluta, aderezada por unos intérpretes a los que solamente les falta bostezar - sé que es ir a lo fácil, pero el en otro tiempo maestro Jedi, Hayden Christensen, está con un rictus facial que le dura todo el metraje -, y una trama que de lo rápida que va no acabaría ni por sustentar a un corto.
Recomiendo encarecidamente su contrapartida gamberra Juerga hasta el Fin (Evan Goldberg, Seth Rogen, 2013), donde son las estrellas de Hollywood los que se enfrentan al Fin de los Días.

Bienvenidos al fin del mundo de Edgar Wright (2013)

Como cierre de esta lista pongo este también cierre de una trilogía, la del Conetto en este caso, que el diretor Edgar Wright y los actores Simon Pegg y Nick Frost iniciaron hace más de diez años con la sublime Zombies Party, en donde una pandilla de amigos de juventud se reúnen para volver a su pueblo natal para así completar la milla de oro, que comprende todos los pubs de la localidad (y que acaba en el bar El fin del mundo), ya que en sus años mozos no pudieron acabar.
Aliens, robots, damas en apuros y mucho alcohol en una comedia con sabor a nostalgia, ya que no puedes evitar pensar que sin duda esto es el fin; el fin de una etapa junto a estos tres locos británicos.
Tal y como dicen en un momento el personaje de Nick Fort, nunca hubo una peor resaca, y sí: seguramente como esta jamás la ha tenido nadie.

Y hasta aquí mi especial Apocalipsis, espero que os haya gustado y sobretodo recomendaros que veáis todas las películas que podáis. No vaya a ser que en verdad el Fin esté cerca...

Correción de color: Entrevista a Francisco José Lorite.

¿Que es la corrección de color? 

Hay procesos en el cine que nos son muy desconocidos, y con el paso de la era analógica a la digital algunos de estos procesos han desparecido y otros se han transformado. 
De esos que se han transformado ha sido la figura del Etalonador, transformada a Colorista. Pero, volviendo a la pregunta inicial. ¿Qué es la corrección de color,  que es o era un Etalonador y que es un colorista, y como afecta esto al cine , tal y como lo conocemos?. 
Para responder a estas preguntas tenemos que dar un paso a tras y saber como se ruedan las películas. Al rodar es frecuente que haya cambios de colores de luces etc, y es la labor del Etalonador poner orden y unificar la imagen para que todo sea compacto y uniforme, y crear el tono y el LOOK de la película. Es la extensión del Director y el Director de fotografía para poder terminar la película, para llevar esa visión hasta el espectador.

“Ser colorista lleva una gran responsabilidad para el producto final que se le entrega al espectador”.
Son palabras de mi ex compañero de trabajo Francisco Lorite, Colorista con una dilatada experiencia que comenzó a trabajar como Etalonador en una de las mayores empresas de post producción a nivel mundial Technicolor, y cuyo trabajo se extiende por algunas de las mas exitosas producciones Españolas de los últimos años.
“...como Colorista necesitas tener un gran feeling con el Director y el Director de fotografía, para poder llevar la película hasta el punto que ellos imaginaron...” - sigue apuntando Francisco . 
Con el celuloide todo era algo diferente puesto que se empezaba a trabajar a la vez que se rodaba la película.
“ Trabajar con celuloide es algo distinto, sueles empezar antes, lo que te hace involucrarte mucho mas en el proyecto necesitas ir chequeando los dailies, y mantener una comunicación directa con el set, asegurar la calidad del material y que todos están trabajando en la misma dirección.“
Puesto que no hay un acceso directo al material rodado en celuloide los primeros ojos que se sumergían en el material rodado son los del colorista. 

Una vez la película esta editada y lista para trabajar en la corrección de color el colorista ya lleva tiempo trabajando en el proyecto. “ Con el celuloide una vez que empieza la corrección de color, todo el trabajo que se ha hecho antes entre el Director el Director de fotografií y el colorista contribuye a que sea todo bastante fácil, puesto que por el camino se han hecho multitud de pruebas y ajustes, para ir cercando la idea que se quiere transmitir.”
Pero como hemos dicho antes con el paso al digital este trabajo se ha ido transformado, 
Las cámaras digitales y la estandarización del mundo digital sobre la proyección en cines ha revolucionado el mundo del cine. Desde el rodaje hasta la projeccion. Y claro esta la corrección de color.
“Con las nuevas cámaras digitales y los ajustes en el workflow, las posibilidades que te el mundo digital ofrece son casi infinitas, llevando la corrección de color a un nuevo nivel.”
Hoy en día estamos acostumbrado a un tratamiento de imagen mucho mayor, la forma de contar historias se ve afectada por las posibilidades que este medio ofrece. 

”Con la corrección de color digital, el trato con el director y el director de fotografía sigue siendo igual de cercana pero la expansión de posibilidades hace que cuando vienen a mi sala todo se convierta en un brainstorming, es algo mas que crear una imagen compacta y unificada puedes dotar a la imagen de mayor vida y profundidad hacer que las historias sean únicas. ” 
No pasan desapercibidas las películas con un gran tratamiento visual  único que hacen que salgamos del cine con las imágenes en la cabeza. 

La corrección de color es algo que siempre ha sido el pilar esencial para que podamos ver las películas tal y como las vemos. 

Tres razones: Maniac (2012)



Hace unos días tuve la oportunidad de ver nuevamente el remake de Maniac en pantalla grande, gracias a los amigos de Artistic Metropol (¡id!) que tuvieron a bien programarla en un pase conjunto con la original. Desgraciadamente no llegué a tiempo de ver el gran film de William Lustig, aunque tampoco es que me molestase mucho ya que la tengo en DVD, aunque sí podría decirse que me quedé con la espinita de poder ver a las dos en conjunto y decidirme de una santa vez por cuál es mejor. Así que, ni corto ni perezoso nada más llegar a casa, saqué de su carátula la original, abrí el reproductor, presioné la tecla del Play y me dispuse a ver las correrías del Frank Zitto de Joe Spinell.

¿El resultado? Pues sí, la original gana si tenemos en cuenta que el remake no deja de ser un remake e innova más bien poco (pero lo que se inventa está integrado perfectamente), pero ya siendo más reflexivos, es de aplaudir que Franck Khalfoun (director) y Alexandre Aja (productor y guionista) hayan tenido los santos cojones de adaptarla y poder hacer algo fresco al reinventar el material dado, cosa de la que Aja es maestro vistas sus anteriores películas.

Entonces, dicho esto, ¿por qué razón el remake de Maniac puede mirar de cara al original sin inmutarse? Bueno, como esta sección se llama tres razones no os voy a timar y solo dar una, así que comencemos pues.

3- Cámara, bendita cámara.
Uno de los aspectos más comentados de esta nueva versión, ha sido el empleo de la cámara subjetiva como principal recurso narrativo. Aunque en contadas ocasiones vemos una narración más tradicional cuando la cámara se aparta y pasa a la tercera persona, la mayoría del tiempo estamos viendo lo que ve Frank, es decir, se nos hace partícipes de las vivencias del protagonista, lo que implica que se nos haga cómplices de sus crímenes. Este recurso no deja de ser un arma de doble filo, ya que si no se maneja bien podría costarnos el empatizar con un personaje que ya de por sí cuesta, por suerte 
Khalfoun lo dosifica de tal manera que incluso no nos demos cuenta que nunca vemos al actor. Para el recuerdo nos quedan planos tan brillantes como la primera "cacería", el momento en que Frank se encuentra cara a cara con su reflejo o el final, tanto o más enfermo que el original.

2- Wood vs Spinell.



Hablar de Maniac es hablar de su protagonista, Frank Zitto, interpretado en las dos versiones por Joe Spinell y Elijah Wood. Si bien en un principio nadie daba un duro por Frodito, tras ver el remake muchos se deshicieron en halagos por este cambio de registro radical en su carrera. Es cierto que la mala bestia sedienta de sangre que compuso Spinell sigue ahí; sus jadeos, su timbre de voz y su pelo con más grasa que una patata del Burger, son detalles que siguen produciendo a día de hoy una mezcla de terror y asco, pero la versión ofrecida por Wood, pese a ser un poco más pulcra y estilizada (ya se sabe, otros tiempos) nos ofrece una variante igual de bestial  y a veces con una interpretación más patética que la vista en con Spinell.
Sin duda dos grandes actores encarnado un personaje icónico del género, con un resultado inmejorable.

1- Respeto por la original.

Lo primero que alcanzas a entender según ves las dos películas es que nunca deber de ir a los EE.UU. No eres bienvenido. Es un sitio hostil, sucio, lleno de alcantarillas que lanzan humo y andar por sus calles implica que en cada esquina encuentres una amenaza. ¿Esto era el sueño americano? Hombre...si eres Frank Zitto, seguramente lo sea.
El guión de Alexandre Aja, a parte de añadir pequeñas licencias y nuevas lecturas, respeta el aire marcadamente desaosegante del original, pero además logra expandirlo al llevarlo más allá de la simple fotocopia, ofreciendo una imagen de Los Ángeles 
tanto o más salvaje e inhóspita que la Nueva York que pudimos ver en los ochenta.

Para finalizar, decir que el film es una grandísima película. No la disfrutarán las personas desencantadas por los recientes remakes y los más puristas, que la atacan sin piedad, eso tenerlo por seguro. La película no deja de ser una actualización de la original, sólo que su temática es aplicada a esta nueva época, donde las redes sociales es un medio (arma) para conocer gente (víctimas), y en donde los lobos con piel de cordero campan con total libertad.

Good puppy


El mejor amigo del hombre transformado en araña gigante. 

Otra genialidad de SA Wardega, unos jachondos responsables también de vídeos que atentan de una forma u otra con la salud coronaria de las personas a las que gastan sus "particulares" bromas.

Lo que me he podido reír., sólo espero que a nadie por el susto se le ocurriera pegar al perro.

El despropósito se abre camino

Unos rusos húngaros recrean de pe a pa "Jurassic Park", y alguna que otra película más, con eróticos resultados.





La película está únicamente en su idioma materno, pero fijo que sois tan gañanes que sólo veréis las escenas clave, así que aquí os dejo un listado con el minuto en las que aparecen. De nada.

23:15 Bienvenidos a Hungría Park.
49:32 La escena del ¿triceratops?
56:19 La escena de, da igual.
1:06:37 La escena del coche en el árbol.
1:13:50 La escena de la estampida.
1:22:00 What da fuck? Jódete Cameron.
1:24:19 In the kitchen.


1:35:12 La escena final en el helicóptero.


Fuente FinoFilipino.

Top 5 de las madres del cine.

Trauma en 3...2...1...

Ay,las madres.

Esas maravillosas criaturas de la naturaleza que nos paren, nos crían, nos alimentan, nos cuidan del perro en vacaciones...Lo cierto es que si fuera por ellas, darían TODO por nuestro bienestar sin esperar nada a cambio, bueno, sí, que le programemos la TDT y que nos comamos todas las croquetas del plato cuando vamos a casa los domingos.
En el cine tenemos casos de madres ejemplares, ya sean estas humanas, como la matriarca piadosamente engañada de "Goodbye Lenin", o del reino animal, como la mítica madre de Bambi o la de Piecito, que se acaban sacrificando por la supervivencia de su retoño, aunque también existe la otra cara de la moneda, en la que vemos que incluso las madres tienen un lado oscuro si se les tocan mucho los ovarios. Si no, allí está la madre asesina que interpreta Kathleen Turner en "Los asesinatos de mamá" o la aún más chunga madre coreana de "Mother", que nos demuestra que, pese a su aspecto cuasi entrañable, manejan el hacha (o el pollo) como si de un Jason de la vida se tratase.
En fin, que siendo el día que es hoy quisiera traeros uno de nuestros especiales en el que haré un Top 5  con las mejores madres del celuloide. 
Sé que no están todas, pero sí paras las que en mi opinión son las más grandes.

Como bien dice el dicho:
"Madre no hay más que una", a lo que añadiría, "Madre no hay más que una, pero en el cine tenemos para elegir".


5ª- Ellen Ripley.

Curriculum:
"Alien" (Ridley Scott, 1979), "Aliens" (James Cameron, 1986), "Ali3n" (David Fincher, 1992) y "Alien: Resurección" (Jean-Pierre Jeunet, 1997).
Posición laboral: Transportista y cazadora de alienígenas a tiempo parcial.
Residencia: Nave U.S.C.S.S Nostromo.
¿La mejor madre? 

Si hay un enjambre de alienígenas xenomórfos, incluida su gigantesca reina, asedia tu puesto colonial, sería la primera y única opción de salvar el pescuezo, no en vano ha logrado sobrevivir (es un decir) en cuatro ocasiones a los ataques de estas adorables criaturas, incluida una incursión en su planeta natal. Su uso eficiente armas de fuego, incineradores, pelotas de baloncesto (sic) del traje para transportes de mercancías "Power Loader" hacen que sea una mami cinco estrellas. 
Eso sí, su tendencia a perder seres queridos es algo alarmante, así que cuidado si empieza a cogerte cariño.


4ª- Rosemary Woodhose.

Curriculum: "La semilla del diablo" (Roman Polanski, 1968).
Posición laboral: Joven ama de casa con un destino más "importante".
Residencia: Apartamentos con vistas a Central Park.
¿La mejor madre? 

Pese a ser primeriza, Rosemary se destapa como una madre que daría todo  por su hijo no nato, incluso enfrentarse a unos vecinos extrañamente amables, a los que cree brujos, o a su propio marido. 
Como suele pasar, finalmente las apariencias engañan, y a es posible que la pobre Rosemary esté cayendo poco a poco en la locura, aunque nadie NADIE le quitará a su hijo...espera...¿y esos ojos?

3ª- Pamela Voorhees.

Curriculum: "Viernes 13" (Sean S. Cunningham, 1980).
Posición laboral: Matarife de jovencitos.
Residencia: Crystal Lake.
¿La mejor madre? 

Para criar a un niño como Jason (no sólo por deforme) necesitas mucha paciencia al menos, y mucha mano izquierda para manejar el hacha, y de paso no perder la cordura por el camino. Cosa difícil a priori que se agrava cuando, por una negligencia de los monitores, ve a su hijo morir ahogado en el lago del camping, lo que desatará su furia sobre todo jovencito con picores que se le ponga por delante.
Eso sí, vista la segunda parte a lo mejor no resultaba ser una madre tan dedicada. ¡Coño, haber buscado mejor, que Jason estaba en el puto lago!

2ª- Mrs. Bates.

Curriculum: "Psicosis" (Alfred Hitchcock, 1960), "Psicosis III" (Anthony Perkins, 1986), "Motel Bates" (varios, 2013-?).
Posición laboral: Madre a tiempo completo.
Residencia: Motel Bates.
¿La mejor madre? 

Mujer pasional donde las haya, Norma Bates cría a su hijo Norma (¿sólo a mí me parece raro eso?) bajo sus faldas, llevando más allá el complejo de Edipo, evitando a toda costa que el chaval tenga contacto con el mundo exterior, y sobretodo, con las mujeres. Vamos, una joya de mujer.
El tiempo y la edad no merma la presión hacia su hijo, incluso se hace más patente en cuanto el bueno de Norman se hace con el negocio, haciendo de las suyas entre toda clienta (posiblemente rubias) que decidan hacer noche en el Motel...y tomarse una ducha.

1ª- Lorraine Baines.

Curriculum: "Regreso al futuro", "Regreso al futuro 2", "Regreso al futuro 3" (Robert Zemeckis, 1985, 1989, 1990).
Posición laboral: Estudiante (pasado). Ama de casa (futuro).
Residencia: Hill Dale.
¿La mejor madre? 

Su alcoholismo fruto de un matrimonio fracasado desde su comienzo, y unos hijos que arrastran el fracaso en sus genes, no hacen de ella la madre perfecta, pero lo será mediante la intervención de una máquina del tiempo, convertida para la ocasión en un De Lorean ("si viajas en el tiempo, hazlo con clase"), conducida por el menor de sus hijos, que se encontrará con una Lorraine adolescente con sus pulsiones y deseos...¡Pero cuidado con no alterar el pasado, si no las consecuencias podrían ser catastróficas!
Se volverá fanática de un tal Levys Strauss.


No lo llames muerte. Llámalo Chuache.

El austriaco demuestra que la selección natural no existe, si no a quién él deja vivir y a quién no.


El maravillosos mundo de la postproducción

El momento más cabrón de hacer un film no empieza hasta que lo acabas, esto es así, pero si tienes pericia y un gran equipo detrás puedes obtener resultados tan buenos como vemos en el siguiente vídeo.

por cierto, muy recomendable "Only God Forgives".




Only God Forgives VFX Showreel from Nordisk Film ShortCut - CPH on Vimeo.

Cortos con K


Por segundo año consecutivo la web klownsasesinos.com organiza su festival "Cortos con K", que consiste en una selección de cortometrajes a concurso con temática de terror o fantástica. 
Los miembros del jurado ya confirmados son Olga Bel, José Manuel Meneses y Manuel Carballo, director de "La posesión de Emma Evans" (2010) también conocida como "Exorcismus" o la reciente "Retornados" (2013). 
Desde Marty McFly apoyamos esta iniciativa y les deseamos que todo les vaya deluxe por Cataluña. 

Para más info. visiten la página web klownsasesinos.com

Legendary Picture cuenta con "Diablo" entre sus futuras adaptaciones

Todos mis frikis, los que ya rondan los treinta años sobretodo, deben de estar de enhorabuena: Legendary Pictures a incluido en su lista oficial de adaptaciones al épico videojuego "Diablo" para el 2018.
Portada Diablo

Os recordamos que esta productora es la responsable de emblemáticas cintas como "300" y que también esta desarrollando la adaptación del "Word of Warcraft" (auguro una palo más que notable) y que ahora anda "on fire" con la promoción de "Godzila" (esta si que me da muy buen royo).
Todos conocemos la historia de brujas y espadas de Blizzard: un héroe solitario y duro, de esos tan duros que se hacen las manolas con manopla de esparto, se abre paso repartiendo hondonadas de hostias hasta llegar ante el mismísimo Diablo, meterle su piedra espiritual por el tracto anal, matar a sus mujeres y follarse a sus caballos infernales. Pero... ¿Que podemos esperar de su adaptación?


Legendary ha sido culpable de grandes adaptaciones que hicieron las delicias de los fans con que ya contaba las obras originales ("Watchmen", "The Dark Knight") y, aunque también ha perpetrado algún que otro sacrilegio fílmico ("Jonah Hex", "Ninja Assassin"), su computo de aciertos contra errores esta en positivo.

No obstante, recordemos que hablamos de la adaptación de un videojuego, subgénero que hace que se te encoja de golpe el esfínter con solo pensar en la gran mayoría de las cintas que lo componen... Bueno, no seamos pesimistas y veamos estos proyectos como nuevas oportunidades de hacer las cosas bien de una puñetera vez. Que ya sería hora de marcar un verdadero punto de inflexión.

Con vuestro permiso, para terminar voy a citarme a mi mismo en una de las largas conversaciones que hemos tenido en nuestro querido grupo de Facebook: "Manda cojones que, a día de hoy, tengamos que considerar a Mortal Kombat como una de las mejores y más fieles ADAPTACIONES que se hallan hecho de un videojuego..."

¿De dónde vienen los nombres de los personajes de Dragon Ball?






Me sabía la l mayoría, pero no está de mas recordar la pasión por los vegetales de los Saiyans, y la invocación mágica de los villanos de la saga Buu.
Se echa en falta la familia de villanos con nombre helado (Freezer, Cooler, King Cold) y algunos de Dragon Ball GT en los que se aludía a herramientas de menaje del hogar, pero bueno, se les perdona.









VAMPYRES - Foto Exclusiva



Pues señores, así se las gastan Víctor Matellano y sus "vampiras" en la nueva revisión al clásico de culto de José Ramón Larraz "Las Hijas de Drácula".

Ya os hemos contado que Victor Matellano se encuentra inmerso en el rodaje de Vampyres, la revisión del film que dirigió en 1974 José Ramón Larraz, Las Hijas de Drácula. Con un reparto encabezado por Caroline Munro, junto a Anthony Rotsa, Veronica Bacorn, Alina Nastase, Luis Hacha, Marta Flich y Almudena León entre otros, Vampyres cuenta también con la  participación especial de mitos del fantaterror como Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans y Conrado San Martín.

Esta nueva versión del universo de Vampyres sigue conteniendo sensualidad, truculencia, descaro y una atmósfera malsana, pero en un tono más sofisticado que ofrece más acción, más terror y más gore en consonancia con los tiempos actuales. La historia se centra en dos vampiras que habitan en una oscura mansión donde atraen a hombres a los que les ofrecen orgías de sexo que terminan siendo orgías de sangre. Hasta aquel lugar llegan, unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta, y un hombre joven que esconde un oscuro pasado...

¿Cuál será la película del verano 2014?


¿No lo veis? Allí, asomándose tras las montañas, oculto tras las nubes de tormenta y el sol que calienta.
¿No lo veis?
El verano.
Sí, el esperado verano ya llega, y nosotros tan felices. La época de las terrazas, la ropa corta y las piscinas ya empieza, y con él también llegan los rompetaquillas de la temporada estival, esas películas tan esperadas por todos desde comienzos de año que, incluso, permitimos ser enclaustrados en una sala a oscuras durante unas dos horas mientras el sol brilla fuera.
Eso es tener cuajo.
Este año, como viene siendo costumbre de años anteriores, dominan las adaptaciones de cómics, en las que destaca la mega producción mutante "X-Men días del futuro pasado" de Bryan Signer que intentará competir con  la producción Marvel "Los Guardianes de la Galaxia". Aunque si una merece ser destacada esa es "Godzilla", el resurgimiento del gran lagarto nipón por parte de los estadounidenses, que fueron los que se lo cargaron a finales de los noventa. Lo que es la vida,¿no?

En fin, al turrón, la pregunta es simple:

¿Cuál será la película que lo pete este verano?

-GODZILLA:


Pros:

• Vuelve el "Zilla" de toda la vida y en todo su esplendor. Aspecto y todo.
• Actores de calidad que acompañan al lagarto.
• Efectos a la altura. Promete no ahorrar en destrucción. 

Contra:

• Espero que el guión no se ande con mucha monserga existencial visto el trabajo previo de su director.
• La productora se ha pasado con los avances. Esperemos que no hayan mostrado ya todo.
• ¿¡3D para qué!?

- DIVERGENTE:


Pros:

• La sorpresa de la temporada en EEUU.
• Neil Burger. El tipo que hizo "Sin límites" merece mi respeto.
• Una protagonista que se ha quitado la espinita de no ser Mary Jane en "Amazing Spiderman 2".

Contra:

• Se basa en un libro juvenil, así que no esperéis mucha acción y desenfreno.
• A Jai Courtney no le perdono lo de "La jungla 5" y Ray Stevenson debería estar haciendo una película sobre "El castigador".
• Intenta ser el relevo a " Los juegos del hambre". Demasiada pretensión.

- GUARDIANES DE LA GALAXIA:


Pros:

• Espectaculo Made in Marvel, esto es sano entretenimiento y mucha acción. 
• Dirigida por el mismo artífice de "Tromeo y Julieta".
• Actorazos pasándolo en grande.

Contras:

• Que la gente no sepa divertirse al no saber que van a ver.
• Benicio del Toro en plan villano de opereta. Ahí hay algo que no me cuadra.
• Que se quede en esta.

- AL FILO DEL MAÑANA:


Pros:

• Tito Tom haciendo lo que mejor sabe, secundado por una tremenda Blunt.
• Su punto de partida.
• Sus efectos especias y estética a lo Halo.

Contras:

• No tiene pinta de ser mucho más que un producto parecido al de "Oblivion".
• Sus efectos sorprenden, pero demasiado ordenador.
• Puede llegar a marear la acción.

- X-MEN DÍAS DEL FUTURO PASADO:


Pros:

• La reunión mutante que esperábamos.
• Se basa en el cómic que se basa y eso ya es garantía suficiente.
• El buen sabor de boca que dejó "First Class".

Contra:

• Que se hagan la picha un lío con tanto personaje, la principal tara de "X-Men 3".
• Demasiado trailer y avance.
• El anuncio de "Apocalipsis". Demasiado pronto.


Especial: Cinco finales cliché.


Sí, joder, está muerto
Cuando estoy haciendo una crítica, comento en el podcast o simplemente estoy hablando con los amigos sobre la película que acabo de ver, siempre hago especial hincapié en su final. Una seña de identidad que me ha canjeado la etiqueta de puntilloso-tiquismiquis entre los que me acompañan al cine, ya que lo analizo de manera exhaustiva, y, algunas veces, independiente al resto del film. Eso hace que algunas películas, pese a haberme encantado, como por ejemplo las sobresalientes "Los Vengadores" (Joss Whedon 2012) o "Django" (Quentin Tarantino 2013), he llegado a cagarme en ellas por sus finales, a los que considero demasiado irregulares, o directamente flojos, si llegan a compararse con el apabullante espectáculo ofrecido durante todo el metraje.
¿Qué le vamos a hacer? Soy un excéntrico.
Pero como dice mi madre no hay mal que por bien no venga, puesto que esta irritante peculiaridad ha hecho fijarme en las similitudes entre muchos de los finales de los films. Unos clichés típicos, si preferís llamarlos así, que acaban por repetirse casi hasta el infinito en esta clase de productos destinados a saciar el hambre de frikerío de nuestros cuerpos serranos. Ya sea la intentona de hacer un final rompedor, sorprendiendo al espectador, o darle un toque de originalidad, aunque algunas veces, demasiadas, dan más pena que lo anterior.
Sin más dilación pasaré a enumerar este Top 5 de finales cliché, que pese a que algunas veces pequen de bobones, son los que más gustan ver en pantalla.
Aviso que hay spoilers de los gordos. No se diga que no digo las cosas.

5º- ESTE MUERTO ESTÁ MUY VIVO.

Este final suele darse sobretodo en las películas de terror: El asesino se levanta cuando le creíamos muerto y aparece (o no) como susto al final. "Halloween" (John Carpenter 1978), "Viernes 13" (Sean S. Cunningham 1980) o "Carrie" (Brian De Palma 1976) son pioneros de este final cliché, causando un susto mayúsculo entre el entregado público de la época, y de paso causar furor en el boca oreja. Era pre internet, ya se sabe.
Con el paso de los años este final se hizo usual, ya no solo en las producciones de terror era una seña de identidad, si no que iba pasando ocasionalmente al, por ejemplo, género de aventuras con "El secreto de la pirámide" (Barry Levinson 1985) o "Vidocq" (Pitof 2001), haciendo que este recurso se fuese refinando con cada aparición, hasta finalmente convertirse con el paso del tiempo en un punto y final de altura para toda clase de películas.
Por mucho que pueda decir sobre este final, lo cierto es que es el menos cliché de toda esta lista. A mi modo de ver, con el tiempo este final se ha sabido adaptar tanto a la época como a los géneros en los que aparecía, logrando que en ninguna de sus apariciones pareciese estar viendo el mismo final una y otra y otra vez en bucle, pero bueno, necesitaba llegar a cinco, así que...

 4º-  FLASHFORWARD.

En la reciente muestra SciFi, que tantas alegrías y críticas ha dado a esta página, se pudo ver una película llamada "Rigor Mortis". En ella los asistentes reunidos en la sala pudimos comprobar con asombro que, tras mucho marear la perdiz, su final era volver al principio y hacer una cosa diferente. Un ¿...y sí? de manual que casi rozaba las dos horas de metraje, dejando a más de uno irritado (comprensible) e incluso furioso (aceptable)...o dormido directamente, pero eso porque la película es muy espesa.
También llamado "el recurso Next", este final en el que se da marcha atrás al reloj, volviéndonos a poner desde el principio del film, se usa sobretodo para hacernos ver al menos dos posibles variantes de una misma historia, más o menos como cuando a finales de los ochenta a Marvel le dio por hacer historietas "What if...?" con sus historias más representativas, solo que en estos films suelen ser el final su principio.
No se podría decir que este sea un mal final, incluso en su momento reconozco que te dejaba picueto en la butaca, pero el paso del tiempo, la sobrexplotación y sobretodo la torpeza de los directores al elaborarlo, hicieron que este recurso quedara relegado al cliché puro y duro.
Os recomiendo la reciente "Monsoon Shootout" de Amit Kumar para ver un buen empleo de este final y el juego que puede dar.

3º- ¿SABÉIS QUIÉN ES EL ASESINO? ¡YO!

Atentos que vienen curvas.
¿No os jode cuando en las películas de terror, tras pasar toda la película sospechando en un personaje, y por fin, tras haber afirmado "el asesino es este", se desvela y resulta en realidad que el asesino era el protagonista?
A mí mucho.
Me pasó con "Vidoc" (2001), con la mierda esa de "El Escondite" (2005) o con "Saw VII" (2010), películas a las cuales no tengo nada de aprecio (bueno, a "Saw" algo), pero es ver ese final tan mierdero, que pone de manifiesto la pereza de algunos guionistas al tratar de hacer algo, según ellos, sorprendente para el espectador cuando de verdad están haciendo el ridículo.
Como podéis comprobar, el final cliché más odiado por un servidor, y no merece la pena extenderse más.
Pura mierda.

Como sufro.
2º- EL TORTUOSO CAMINO DEL HÉROE.

Hasta que Marvel dio el campanazo con el film "Iron Man" (Jon Favreau, 2008) y demostró que un superhéroe también podía ser divertido a la par que complejo, los héroes eran mostrados como seres torturados y apenados con la cruz de ser especiales en un mundo que bla bla bla...ya sabéis la monserga.
Los X-men (Bryan Singer 2000-2004) eran aberraciones adictas al latex en un mundo que les odia, Hulk (Ang Lee, 2003) tenía problemas paterno filiales y no podía echarle un polvo a Betty Ross a riesgo de reventarla (¡¡Muerte por KIKI!!), Superman (Richard Donner y Brian Singer 1979-2006) no podía estar con Lois Lane porque...porque era una petarda con voz de pito, y ya no hablemos de Batman, que en todas sus versiones es un pupas millonario traumatizado de por vida.
Como podéis ver es una vida torturada la de estos héroes, consideran incluso que sus poderes son taras en vez de dones...pero no entraré en ese tema (por ahora), y pasemos sin más dilación en ese final cliché que tienen casi todos estos films.
A ver si os suena la siguiente escena.
"Plano fijo del héroe. Mira al horizonte, aceptando su rol de héroe. Tras la cruenta batalla final contra su némesis ha comprendido que el mundo le necesita aunque le odie. Pese a las pérdidas personales ha de continuar. Su pasado, lo que era, ya no existe. Ya no. Tú eres (insertar nombre del héroe). Fundido a negro".
Si los guionistas añaden a esta la muerte trágica de un  familiar, amigo, novia o perro, aumenta un 1000% su nivel de clichismo. Un plus si el héroe mira a cámara mientras se le escapan unas lágrimas.
Este final puede resultar a día de hoy un pelín forzado, sobretodo teniendo en cuenta que el cine de superhéroes ha cambiado a raíz de la mentada "Iron Man", pero no sería justo restarle su valor a un épico final para la lucha interna de un humano que por fin acepta su faceta de héroe.
Si no os gusta, siempre os quedará el final de la no menos magnífica "Supersonic Man" (Juan Piquer Simón, 1979). Menuda delicia.

2º- ¿MUERTO O DE PARRANDA?

¿Os acordáis la cara de besugo que se os quedó tras el final de "El sexto sentido" (M. Night Shyamalan, 1999), cuando os fue revelada la no-vida de Bruce Willis? A más de uno dicha revelación le dejó atónito, considerado aún a día de hoy como el final que nadie esperaba, además de convertirse en un referente en el que varios guionistas de la época vieron un filón para dar un broche de oro a sus libretos. Listos no hay que negar que eran.
Si bien Amenabar dijo por activa y por pasiva que el final de su película "Los Otros" (2000) no estaba "basado" en el final del "Sexto sentido" (y un cojón), lo cierto es que poco después varios autores sí hicieron un corta y pega bastante escandaloso, aunque sin el efecto sorpresa, y calidad por qué negarlo, poseía el film de Shyamalan. A voz de pronto me viene a la cabeza el magnifico (por cazurro) film "Dead End" (Jean-Baptiste Andrea, 2003), que nos narra el infernal viaje en coche de una familia disfuncional, donde para más inri el padre es el mismo que el de Laura Palmer, y que durante su tercio final se sube al carro de muertos con ganas de vivir, tras un giro de los acontecimientos bastante rocambolesco. Lo más peculiar de este ejemplo es que la película podría haber tenido un final normal, sin añadir este giro, hubiese quedado un cierre mucho mejor.
Muchos lo califican de tramposo y a veces innecesario, y sí, lo cierto es que no les falta razón, pero si algo se puede defender de este final es la cara de besugo que se nos queda tras ver que, sin darnos cuenta, nos la han vuelto a colar.

1º- LA VIDA ES SUEÑO.

Sí amiguitas y amiguitos, tras sopesarlo durante horas, sin dormir gracias a la ingesta de litros de café, he llegado a la conclusión de que no podría haber un número uno mejor. Con todos ustedes El final cliché empleado por los guionistas cuando se les acaban las ideas. El recurso final de los vagos cuando se dan cuenta que no saben darle matarile a una historia que, por H o por B, se alargó hasta el hastío...básicamente por dinero.
Hablo de mi favorito TODO HA SIDO UN SUEÑO.

No sonríen, se ríen de ti.
También conocido por estos lares con el nombre de "Síndrome de Diego Serrano", este final consiste en que Todo lo visto anteriormente - todas las vivencias, todas las explosiones, todos los polvos, todas la muertes...-, ha sido producto del algo tocado subconsciente del protagonista principal. Forzando hasta el límite humano la fase REM, crea una trama elaborada en la que abundan los giros de guión, en la que destacan la cantidad de personajes secundarios con tramas independientes a la principal, y que también se cierran con este final cliché.
Lo mejor y lo más increíble de este cliché, aparte de la duración del sueño que haría las delicias de los protagonistas de "Origen" (Christopher Nolan, 2011), es el momento en el que el protagonista despierta del "sueño", donde recuerda todo lo sucedido, incluso los pequeños detalles, si no recordad el mítico "Tú estabas ahí, y tú...y tú" que espetaba la pequeña Doroty durante los minutos finales de "El Mago de Oz" (Víctor Fleming, 1939). No sé que es lo peor; recordar que sigues en un mugriento Kansas en color sepia, o que todos tus parientes y amigos piensen que estás como una caja de cencerros.
Con toda la (poca) pena de mi corazón, reconozco lo obvio: Salvo contadas ocasiones en los que funciona, este final ha quedado quemado tras darle tanto uso. Puede ser que al principio fuera una idea novedosa, pero el paso del tiempo lo ha ido desgastando hasta quedarse en una parodia a la que recurrir cuando se agotan las ideas. Con todo, sigue siendo un mítico final cliché, merecedor del primer puesto.
En otras palabras; el sueño de la razón ya no sólo provoca monstruos, si no finales para los argumentos de ficción.


¿Por qué ya no funciona el terror?


Alentado por el amiguete Daniel, autor del anterior post que debéis leer sí o sí, cambio de tercio tras una temporada dedicándola exclusivamente a las críticas de cine, y vuelvo nuevamente a escribir estas reflexiones que no me dejan pegar ojo durante las noches. Bueno, en realidad duermo como un bebé al que le han dado valium, pero sí quiero volver a los orígenes de la página, y que mejor manera de volver que de la mano de mi género favorito.
Si amiguitos, de nuevo voy a hablar del terror. Ese género tan nuestro que nos hace conmovernos, cabrearnos, emocionarnos, entusiasmarnos, aburrirnos y aterrorizarnos, aunque he de decir que ese último objetivo últimamente no lo consiguen muchas películas, por no decir ninguna.
Pese a que hoy en día se emplean todos los giros de guión habidos y por haber, todas las escenas de tensión, los golpes de sonido que te perforan los tímpanos, mala baba en sus escenas, o incluso su nivel de truculencia llega a tal nivel que harían vomitar a un cerdo, contemplamos sin apenas inmutarnos esta clase de películas como si se tratasen de un divertimento más, y no el acto de masoquismo que se presupone que es. Por desgracia, ya quitando que se ha rebajado bastante el nivel de crudeza (sólo hace falta ver algunos remakes que se facturan y compararlos con el original), los espectadores que a día de hoy ven esta clase de películas están curtidos tras años de constantes burradas que han desfilado en continuo tras la pantalla.
Es decir, algo que que antes hubieran hecho cagarse en la butaca a media platea, ahora directamente nos aburriría.
Bueno, esta terror terror...pero como mola la portada

Pero, ¿a qué se debe esto?
Es cierto que en esta llamada "Era de la (des)información" estamos siendo continuamente bombardeados por imágenes que, por decirlo suavemente,  superan de ancho a las que solemos ver en la ficción. Si no os lo creéis, por favor, os animo a poner el telediario/programa de Telecinco y veréis lo que es canela, aunque si indagamos más, esto no acaba de justificar (en parte) que en en algunos casos, no es raro ver que en una película dónde un asesino masacra, en el gráfico sentido de la palabra, a una panda de adolescentes, este llegue a provocar la risa colectiva entre los espectadores.
Entonces, ¿es cierto que nos hemos vuelto insensibles película tras película, hasta el punto de ser capaces hasta reírnos de las burradas que ocurren en la pantalla? Esa pregunta podría ser afirmativa si se ve en un primer momento, pero no, yo opino que la verdadera raíz de esta historia viene de lejos. Durante el ya lejano boom que se produjo en el género durante los años ochenta, concretamente, con las secuelas de "Pesadilla en Elm Street" (Wes Craven, 1984), "Pesadilla en Elm Street: La venganza de Freddy (Jack Sholder 1985), y lo que aconteció con la figura de su verdadero protagonista.
El icónico Freddy Krueger.


"Welcome to primetime, bitch!"

Instaurado ya en el imaginario colectivo, el matarife de la calle Elm adquiere en la tercera entrega de sus correrías una nueva personalidad. Más ácido, cínico, con instantes de puro humor (humor negro eso sí), además, poco a poco sabíamos de su vida previa a convertirse en el monstruo que era ahora, así que de este "nuevo" Freddy poco queda de la amenaza que era en las primeras entregas; seguía siendo un asesino cruel y despiadado, sin duda, pero definieron su personalidad en tal grado, que su sola presencia era carismática. Este carisma traspasó la pantalla, e hizo que a los espectadores les empezase a caer bien este "cara de pizza" con jersey, llegando incluso al punto de querer que se cepillase a esos niñatos/carnaza y que ganase de una vez él.
Las otras productoras, que no son tontas del todo, vieron el filón comercial que supone la estrategia de convertir al asesino de marras en un personaje más complejo y desarrollarlo, o incluso de llevarlo al terreno de la comedia negra. Las salas se llenaban porque, en mayor o menor medida, los espectadores podían identificarse con el propio asesino. Ya no se buscaban más sustos elaborados, únicamente los necesarios, y ya no existía una atmósfera sobrecogedora que hiciese entrar al espectador en materia, ahora se reclamaban más entregas en las que se explotase la figura del psicokiller. Así que ni cortos ni perezosos, las cabezas pensantes de los estudios se pusieron manos a la obra y comenzaron a "probar", lo aprendido con Freddy en otras sagas del género, como son "Viernes 13", "Halloween", "Re-Animator", "Evil Dead" o "El muñeco diabólico".  El problema que causó esta tendencia fue que a estos "monstruos" modernos se les empezó a conocer bien, incluso llegábamos a saber de su pasado en algunos casos, dejando de intentar que estos diesen un miedo de verdad, y ya sólo contase el número de cadáveres. Esto acabó por hacer que el género entrase en un estancamiento de tal magnitud que a día de hoy aún seguimos notando sus secuelas. 
El caso es que esto ya pasó en su día con los monstruos de la Universal, a pequeña escala eso sí,cuando al productor de marras vio que estaban gastados y se las ingenió para juntarles con Abbott y Costello y así se pudo seguir explotándolos desde otro terreno, lo mismo que aquí, sólo que ahora es menos obvio, puesto que a esta situación nos hemos ido acostumbrando.
Claro está que aún quedan honrosas excepciones que salen del saco en ocasiones. Si no ahí tenemos a James Wan que aún conserva ese don para hacer que se nos escape un grito, o incluso la nueva hornada de directores de terror estadounidense, como Ti West y con la saga "V/HS" como bandera, que intentan recuperar ese aire de terror clásico y primigenio, en el que sí se sabe explotar la tensión del espectador, y que no intentan asustarnos constantemente con un golpe de sonido o el desmembramiento de un pobre gilipollas random.

Cuanto menos se sabe de algo más miedo te da, esto es así, y hasta que esta frase no vuelva a sonar entre los autores del género, pues tendremos lo mismo sólo que contado de manera diferente.

El noble arte de vender la moto. Hoy: Deus Ex.

      Hacía tiempo que no comentábamos nada acerca del producto audiovisual más presente en nuestras vidas, nos guste o no: Las campañas publicitarías. Las hay buenas, las hay malas, las hay peores (no te escondas, Pablo Berguer), y las hay treméndamente imaginativas e impactantes como lo fue la de "Deus Ex: Human Revolution".

      Allá por el 2011 se propago un vídeo viral que nos pilló totalmente desprevenidos a freakis y profanos. Consistía en el anuncio de una empresa, Sarif Industries, que, al parecer, se dedica a vender implantes biónicos incluso mejores que los órganos originales.

      Nuestro sentido común nos gritaba que era un simpático fake que nos animaba a soñar con un mundo tantas veces descrito en la syfy. Pero este sentido común se empezaba a arrugar cual escroto expuesto a la brisa invernal al llegar, unas semanas después, otro spot con las declaraciones de los implantados del clip anterior.


      Ya, muertos de curiosidad, es cuando buscamos la web de Sarif, http://www.sarifindustries.com/ (meteros a investigar un poco que mola bastante), para descubrir que, al parecer, está hackeada y nos salta un tercer clip de esta campaña.


      Impresionante vídeo que te pone los pelos de picos pardo sin hacer spolier. Más de un creador de tráilers (como coño se llama esta gente? Trailercut? Trailer-operator? Trailerman?) podría aprender. Ya, con la certeza de que se trata de algún tipo de obra audiovisual, nos enteramos de que la moto que nos querían vender es el videojuego "Deus Ex: Human Revolution". Obra cyberpunk que ahonda, justamente, en el impacto que esta clase de tecnología podría causar en la sociedad.

      No podíamos despedirnos sin colgar otros dos clips de esta gran campaña:

      Otro vídeo de imagen real notable aunque no tan creíble ni cercano como los anteriores (lo siento, no lo encontré en castellano)



      Y el tráiler oficial con un montaje a la vieja usanza y las cinemáticas propias de este tipo de producto. Mención especial para ese primer minuto y medio donde comparan los implantes con las alas de Ícaro dentro de un cuadro renacentista. Un puto aplauso.



      Por cierto, estad atentos a este 2014, Mcflys, que al parecer este "Deus Ex" podría tener adaptación cinematográfica debido a la buena acogida que tuvo el videojuego y la profundidad de su trama. Mas, sabiendo que al timón han puesto a Scott Derrickson ("Ultimátum a la Tierra") y que a los guionistas les han dado "total libertad para escribir la historia dentro del mundo de la obra", auguro una mierda de proporciones tales, que nos dolerá el esfínter solo imaginando como pudo ser traída al mundo. Engordando así la lista, más que nutrida, de adaptaciones que jamas debieron ser hechas...

      P.D.: Con esta campaña publicitaria no dude en "comprar" este juego en cuanto me fue posible. Y he de decir que es muy recomendable para todo aquel que le guste los FPS mezclado con rol en los que haya que tomarse su tiempo para sacarle el jugo y disfrutar de una trama enreversada en vez del mata-mutila-quema típico. totalmente imprescindible si, además, te mola el royo cyberpunk.